Búsqueda cabezona

domingo, 31 de diciembre de 2017

Magma, la sinfonía del apocalipsis en Lima.

Magma en Lima.

Un concierto difícil tratar de describir. ¿Qué adjetivos utilizar? Majestuoso. Insuperable. Impresionante. Increíble.

Cuando nos encontramos en medio de la destrucción, lo mejor muchas veces es entregarnos y aferrarnos a él. Este parece ser un resumen justo para la sinfonía del apocalipsis que es el sonido del Magma. Extravagante incluso en el campo del rock progresivo de la década del 70, que deja a todos estupefactos en la contemporaneidad.

Magma vino a Lima para claramente dejar su marca en los fans. No faltó emoción y entrega de parte de la banda ni la calidad técnica, por el contrario.  Perfecto sonido. Perfectas canciones. Perfecta iluminación. El show que vimos aquel 19 de noviembre no tiene nada, y repito, nada que envidiar a lo que se realiza en otros países.

¿Qué puedo decirles? Apenas terminó el concierto pensé “¿Todavía quedarán tickets para el concierto en Chile?”. Es que si alguien se perdió este concierto debería considerar seriamente viajar hasta Santiago a ver la magia que algunos afortunados peruanos pudimos apreciar.

Gracias especiales a Lima Live Sessions por hacer posible todo esto.


Mekanïk Destruktïw Kommandöh

sábado, 30 de diciembre de 2017

2018: La Fiesta del Titanic


La música sigue, la orquesta está tocando y algunos bailan como si nada malo sucediera. Continúa la fiesta financiera. Nos quieren convencer de que somos un país feliz producto de "La Revolución de la Alegría" y la realidad es que vamos en vía de ser un pueblo devastado por la sed de poder de las grandes corporaciones, lo cual incluye al gobierno amarillo en todo su conjunto. El gobierno amarillo, después de la validación de sus políticas con casi el 42% de los votos, se siente que dejó una embarcación precaria y se subió al Titanic. Inicia su etapa refundacional y se propone concretar su "ir por todo". Es fácil pronosticar un año próximo con fuerte conflictividad social. Mientras el gobierno siga teniendo la posibilidad de endeudarse, y no ocurra alguna crisis internacional que suspenda el flujo de dólares especulativos, el iceberg sólo estará en el horizonte como potente amenaza. Mientras ello ocurra en un tiempo impredecible, continuará la fiesta de unos pocos mientras se va forjando una verdadera pesada herencia que costará levantarla a varias generaciones.

Para el arranque del 2018, cuando ya tengan vía libre total para fijar precios y con suba del dólar y el mercado desregulado, las compañías preparan un nuevo aumento de combustibles. Se viene un ajuste en los precios del transporte que va joder muchísimo a los pobres. El año que viene, no hace falta ser Horangel o Nostradamus para preverlo, se vienen ajustes mayores. El 2018 empieza jodido y se va a joder cada vez más.

Como suele decir un conocido economista oficialista, Carlos Melconián, al que se le han sumado luego otros, esto se va a la mierda: de acuerdo con lo que publica el Banco Central, la cantidad de moneda circulante total del país disponible hoy día alcanza aproximadamente a unos 890 mil millones de pesos. Esta cifra que por sí sola es de una entidad enorme, empequeñece cuando vemos que la totalidad de Lebacs (letras o  títulos de deuda a corto plazo emitidos por el Banco Central) emitidas representan unos 1,17 billones de pesos. Como se puede observar a simple vista hay más plata en Lebacs que pesos circulantes en toda la Argentina. En consecuencia para empatar la cifra, se deberían emitir aproximadamente 300 mil millones de pesos en números redondos. Pero se trataría de dinero sin ningún tipo de respaldo y por lo tanto, generador de un proceso inflacionario peor que el actual.

Hoy por hoy no hay dinero suficiente para rescatar a esos papeles emitidos por el Central en su valor nominal. Porque a esa cifra hay que sumarle los intereses devengados del 28,5 por ciento.
Además el dinero equivalente de las Lebacs más los intereses alcanza a la inabarcable cifra de 1,80 billones de pesos, es decir casi el doble del dinero circulante en el país. Cuando haya que salir a rescatar las Lebacs lo que va a ocurrir es una devaluación de casi el 95 por ciento del poder adquisitivo de la moneda.
Los Lebacs, son el juego del avión, una vez que empiecen a bajarse se va todo a la mierda. Por ello algunos conocen a las Lebacs como "La bomba de Federico Sturzenneger".


Por otra parte, en la mañana de este viernes vísperas de Navidad, la noticia comenzó a circular por los canales de TV. La deuda externa trepó al cierre del tercer trimestre a 216.351 millones de dólares y registró un fuerte crecimiento 20,3% en forma interanual, según acaba de indicar el INDEC. El capítulo de Balanza de Pagos sostiene que la deuda se incrementó en 11.436 millones de dólares con respecto a fines de junio pasado, lo que significó un aumento del 5,5% respecto de los 204.914 millones registrados al finalizar el segundo trimestre.


Sin embargo, tienen a sus lacayos bien pagos que se encargan de lavarte el bocho y asegurarse de que vos pienses como ellos; o mejor: de que ni siquiera pienses y asientas con la cabeza cual si fueras un robot. No es cierto que las campañas racistas y fascistas de los medios de comunicación no tengan éxito. No es cierto que las campañas de propaganda no funcionen, no ilimitadamente pero funcionan. Al menos por ahora.
Y mientras tanto, el Titanic camina inexorablemente hacia el iceberg que cada vez se ve más grande.

Carta de Despedida de Lito Vitale: "Mario Mátar x Lito Vitale"

El compositor recordó al emblema del rock mendocino que falleció este jueves en una una carta que envió a la Secretaría de Cultura. Carlos el Menduco me envía el sentido homenaje que el compositor brindó al pionero del rock mendocino.
No nos conocimos demasiado, pero sabíamos uno del otro, sabíamos que teníamos coincidencias estéticas y artísticas, sabíamos que juntar, acercar o provocar encuentros de artistas de diferentes universos musicales era una misión que finalmente resultaría algo imprescindible en nuestras vidas.
En el momento en el que Altablanca fue a tocar a Buenos Aires, invitados por la cooperativa musical M.I.A, de la cual forme parte, circunstancialmente Mario no integraba el grupo, pero siempre su impronta estuvo viva en la música de esa colosal e histórica banda mendocina.
En la Vendimia de este año que ya se va, tuve el placer y honor de rendirle homenaje a Altablanca, interpretando el temazo Shaito, junto al Tano “Magnanimo” Bruno, en guitarra y a Javier Segura, en voz.
Al mediodía de ese mismo día nos conocimos, charlamos, hablamos de la historia, de instrumentos, de producción independiente, de coincidencias artísticas y del camino que trazamos en común, casi sin saberlo… Fue emocionante, fue un momento de esos que agradezco haber vivido…
Se fue un artista, un compositor, un guitarrista y productor, su cuerpo se fue, pero su música, como la de muchos de los más grandes, está y seguirá viva por siempre.
Estoy esperando la concreción de su Box Set de 7 CD´s, para meterme más en su música y conocer sus distintos proyectos, más allá de que él ya haya dejado esta dimensión, debemos escuchar su música, debemos mantener viva la obra de nuestros músicos, porque el Arte es casi la única verdad que nos queda, el Arte emociona, entra por todos los sentidos y nos conmueve, el Arte no quiere vendernos ni convencernos de nada, sólo nos abre el corazón y llega al alma directo y sí, es indispensable cada vez más, ¡es una verdad! Indispensable.
Mario Matar, gracias por la música y por haber compartido tu camino en este tiempo con nosotros.
Lito Vitale


viernes, 29 de diciembre de 2017

Gnidrolog - Gnosis (2000)

Con tres de sus integrantes originales (los hermanos Goldring y Nigel Pegrum), Gnidrolog se reunió en 1999 y lanzó Gnosis en 2000. Este álbum es prueba fehaciente de lo que logran el tiempo y el trabajo, pues si bien los Goldring pasaron a la “clandestinidad” del trabajo en estudio y la producción musical, no dejaron de crecer como músicos y creadores. Aunque en franco registro crossover, por momentos casi pop, Gnosis supera los “peros” que pudimos ponerle a los discos de Gnidrolog de 1972 y entrega un rock fusionado con música de Medio Oriente y otras aventuras, de una limpieza y una factura dignas de tomar en cuenta. Un buen disco, cabezones y cabezonas, que no se deben perder; como siempre, sólo en Cabeza de Moog!

Artista: Gnidrolog
Álbum: Gnosis
Año: 2000
Género: Rock progresivo crossover / fusión
Duración: 1:14:10
Nacionalidad: Inglaterra


Con canciones de mediana duración (entre 4 y 7 minutos), Gnosis propone un Gnidrolog que ni los más avezados futuristas se hubieran atrevido a describir. Una placa que exhala madurez por todas sus aristas, reuniendo materiales de treinta años en el camino: desde temas de principios de los 70 que no se hicieron un lugar en In Spite of Harry’s Toe-Nail ni Lady Lake hasta composiciones hechas específicamente para Gnosis, pasando por material que los hermanos Goldring guardaron durante décadas. Uno habría esperado alguna recreación de los temas conocidos, pero la banda no da su brazo a torcer: todo es nuevo. El resultado final es un disco con un sonido puro y limpio (ojo a las guitarras cristalinas), con arreglos de alto nivel impecablemente ejecutados, pero sin las marcas de fábrica de la banda: el uso de tiempos complejos y velocidades cambiantes y el ensamble de vientos. Hay que destacar que la voz de Colin Goldring aquí ha depurado su nasal intensidad para lograr un sonido armonioso sin perder su característico timbre.





Gnidrolog - Live 1972 (1999)

Más de 25 años después del efímero paso de Gnidrolog por las ondas sonoras, internet informó a los hermanos Goldring que existía un público nuevo y joven para ellos. Pronto se pusieron a preparar el reencuentro y, para “calentar” el espacio, lanzaron en 1999 un registro de su paso por los escenarios de su año de gloria: 1972. Lo interesante de este Live 1972 es que incluye cuatro rolas inéditas y sólo tres tomadas de sus discos de estudio. Con esto, los Goldring mostraban que tenían más piedritas en el cajón —que podían haber lanzado fácilmente al menos un tercer disco—, además de que demostraban su capacidad y virtuosismo en vivo.

Artista: Gnidrolog
Álbum: Live 1972
Año: 1999
Género: Rock progresivo ecléctico
Duración: 1:10:14
Nacionalidad: Inglaterra


Los conciertos de los que salió este disco se realizaron el 8 y el 10 de julio de 1972 en Aylesbury y Birmingham, Inglaterra, por lo que podemos situarlos alrededor del momento de lanzamiento de Lady Lake, su segundo álbum. Casi todo el material seleccionado era inédito, y como estos audios llegaron al público en 1999, 27 años después de la desaparición de la banda, podríamos decir que se trata de una especie de tesoro desenterrado. Era también la respuesta de los Goldring ante el interés por su música que se estaba mostrando en internet. Estamos ante un registro en vivo de la era de oro del rock progresivo, por una banda oscura y misteriosa que contaba con una original propuesta de fusión electroacústica, vanguardista y poética difícil de clasificar. Y el lanzamiento de Live 1972 sirvió de plataforma para el regreso de Gnidrolog con un nuevo (y hasta ahora último) álbum de estudio: Gnosis, que aparecería poco después en 2000.





Desde la Argentina Amarilla les deseamos... Felices Fiestas!!!!!


Oblivion Sun - The High Places (2013)

Les voy a dejar un disquito que personalmente me gusta mucho, y por ello se lo dedico a Aimé a ver si esto, de verdad, le vuela la cabeza (si no es así, intentaremos de nuevo). Grupo heredero de Happy The Man, ya que gran parte de sus miembros provienen de el citado grupo yanky. Y para quien no los conozca, les diré que Happy The Man nació a finales de los 70’ y varios los consideran como una de las mejores bandas de rock progresivo de todos los tiempos; fue una banda que si bien tuvo sus raíces en los clásicos de Genesis, Yes y Gentle Giant, supo definir un estilo propio, y dejó su legado dentro del género con una música llena de experimentación, arreglos, muchas texturas musicales y momentos sinfónicos llenos de virtuosismo. Oblivion Sun son su legado más cercano (en sus filas tiene dos de los miembros fundadores de Happy the Man) aunque está sensiblemente más inclinado hacia el jazz rock, pero igualmente llenos de delicadezas, arreglos y buen gusto, creando un rock principalmente instrumental y muy ecléctico que tiene jazz y sinfonismo, pero donde también hay temas cantados, y con una voz muy parecida a la de Peter Gabriel. el disco es como la mezcla entre Hawkwind y Return to Forever, liderado por un guitarrista que oscila entre Holdsworth y Latimer. Los invito entonces a conocer el sonido heredero de Happy The Man, con ustedes, Oblivion Sun y su último y lindo disquito.

Artista: Oblivion Sun
Álbum: The High Places
Año: 2013
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 41:47
Nacionalidad: EEUU


La atractiva obra de arte de fantasía hace alusión a las cosas buenas del interior. El estilo de la guitarra de Whitaker parece, a grandes rasgos, una combinación entre Holdsworth y Latimer, un solista capaz de extravagancias sonoras, así como hermosas líneas muy líricas y llenas de emoción. Esto es expresado idealmente por las dos primeros temas, muy musicales y muy entretenidos, al que le siguen una breve balada, o melodías más destacada y desatadas llenas de una muy controlada furia, o un rock espacial con un fuerte ritmo de batería, guitarras zumbando un blues y el sintetizador haciendo garabatos a su alrededor, van sucediendo muchas cosas en cada temas, comenzando con voces y coros alternos, secciones de piano, una extensión casi de Canterbury, y mucho más pero todo lanzado de un jazz rock muy maleable versátil que les permite visitar muchos estilos y géneros, muy divertido y entretenido, sobretodo con la pieza central del disco, una suite de 22 minutos llamada "The High Places", una obra en 6 partes de un rock progresivo desquiciado pero inspirado que tiene todos los aromas, olores y sabores que uno puede desear. Esto es lo que entendemos por progresivo, una banda que toma estructuras de rock básicas, infundiéndole coloraciones de jazz, algunos aleteo blues, una dosis severa de delirio y algunos riesgos que, en este caso, llegan a muy buen puerto!.





Videos de los Viernes: Adios a Mario Mátar

Hoy Carlos el Menduco me informó de una lamentable noticia: en la tarde del día de ayer murió el destacado músico mendocino Mario Mátar luego de luchar contra una larga enfermedad degenerativa. Mátar fue uno de los más grandes guitarristas de Mendoza, fundador de la legendaria banda Altablanca (sin dudas el grupo más influyente de la historia del rock de Mendoza) y Zonda Projeckt, entre muchas otras formaciones y proyectos. Y como desde aquí siempre difundimos la movida de la escena de las provincias, no podemos dejar de recordar al querido músico mendocino que tantas alegrías musicales ha dado.

El artista, señero en la escena del rock provincial y nacional, falleció a sus 60 años. Tuvo momentos cumbres en su vida como cuando en 1984 viajó a Los Angeles por 6 meses en donde estudió en el Musicians Institute de Hollywood, con profesores de la talla de Duanne Deyo y Jorge Strums.

El músico y compositor fue uno de los fundadores de la Escuela de Rock de Guaymallén, que desde julio de este año honra al destacado artista llevando su nombre, pero no solo se impuso su nombre a la Escuela de Rock, sino que en 2010 fue distinguido como Ciudadano Ilustre de Godoy Cruz y a fines de 2016, en el marco de la conmemoración por el Día Internacional de la Música, recibió un reconocimiento por su trayectoria de parte de la Cámara de Senadores de la provincia, la Secretaría de Cultura y SADAIC.

Hablé muchas veces con el Mario Mario Mátar, ahora me acuerdo de su voz, así, como finita, fue un guitarrista de esos que tocan con el alma sin olvidarse de la técnica, me acuerdo de cuando lo escuché hacer esas cosas tan raras y hermosas que hacía con su guitarra sintetizada Roland ...en los 80´s...una vez nos pusimos medio en pedo en un bar enfrente de la plaza españa y nos fuimos a el nuevo vizancio a ver tocar al Negro Cesar y otra banda...
Otra vez, yo toqué con una banda que teníamos junto a Joe Moya y Rodolfo Iriart, que se llamaba Los Pieles Rojas, en al plaza de san josé y cuando terminó el show se me acercó y me dijo , "che fredi esa cancion que cantaste , la lenta es buenísima, y me miraba como admirado.....y yo flasheaba.....que se yo..nada...Mario Matar fue un tipo adorable....
Fredi Frik

Apenas se conoció la noticia de su fallecimiento, integrantes de la comunidad artística de todo el país, así como también periodistas y admiradores de la extensa obra musical de Mario Mátar, volcaron sus palabras de dolor y reconocimiento.
Desde aquí lo recordamos desde lo mejor que podemos hacer, que es mostrar y difundir su música...



Jethro Tull - Songs From The Wood - The Country Set (2017)

El Mago Alberto no será Papá Noel pero sólo porque el traje le queda grande y la barba blanca le queda mal, y no es como el viejo gordo de Coca Cola que sólo aparece en Navidad, al Mego lo tenemos siempre y siempre nos regala joyitas!. Aquí viene con su regalo de Año Nuevo para todo el público cabezón: una edición de lujo conmemorativa del 40 aniversario del álbum de Jethro Tull "Songs From The Wood" que lleva el subtítulo de "Country Set". Estas pistas han sido remezcladas en estéreo por Jakko Jakszyk y son totalmente inéditas. La edición se completa con un libro de 96 páginas donde Martin Webb cuenta en detalle la gestación del álbum e Ian Anderson da su particular visión acerca de todas y cada una de las grabaciones. Aquí, un flor de regalito del Mago para empezar bien el 2018!

Artista: Jethro Tull
Álbum: Songs From The Wood - The Country Set
Año: 2017
Género: Prog folk
Nacionalidad: Inglaterra


Se trata de una caja de 3 CDs, 2 DVDs y un libro. “El CD1 contiene el álbum original de estudio, mezclado nuevamente por Steven Wilson, acompañado de grabaciones asociadas, entre las que se incluyen "Old Aces Die Hard" y "Working John, Working Joe" que se estrenan aquí por primera vez. Los CDs 2 y 3 contienen 22 grabaciones en vivo, recogidas durante el Tour Songs From The Wood el 6 de diciembre de 1977. Cabe aclarar que el Mago lo que trae son los CDs y no los DVDs, los mismos contiene el álbum original en formatos 5,1, Dolby Digital Stereo Surround y 96/24 estéreo, mezclado por Steven Wilson (teodo eso corresponde al DVD1). El DVD2 recoge el vídeo filmado en directo en el Capital Centre, Landover, Maryland el 21 de noviembre de 1977, mezclado en 16/48 estéreo y 5.1, Dolby Digital surround por Jakko Jakszyk. Se trata de material inédito hasta el momento.
Y para no darle mucha vuelta, aquí va el comentario del Mago Alberto, y no vamos

Otra joya que pasa por las manitos de Steven Wilson, uno de los grandes discos de Jethro Tull, y el resultado no defrauda para nada, Songs From The Wood renueva sus sonidos, los estereos recuperan sonidos perdidos, típico de Wilson, así que los que aman a Jethro Tull van a gozar de este disco nuevamente.
Versión triple con la versión original remixada incluyendo algunos outtakes, y dos conciertos en vivo con versiones de Songs y las conocidas de siempre. 40 años pasaron de la primera edición de esta joya, vuelve renovada bajo el subtitulo The Country Set.
Songs ya fue reseñado en el blog así que no hace falta incluir tanta palabra escrita cuando lo importante es la música, disquito para este año que termina que no desentona para nada con todo lo que se presentó en el blog.cabezon en este paupérrimo año, paupérrimo por lo menos aca en Argentina.
Mago Alberto



Y es verdad, el año 2017 habrá sido paupérrimo en Argentina pero el blog cabezón fue dadivoso y generoso como siempre




jueves, 28 de diciembre de 2017

Miroslav Vitous - Music of Weather Report (2016)

Ya hace tiempo Callenep nos había traído a este músico en compañía de Chick Corea y Roy Haynes. Aquí, el checo Vitous (fundador de Weather Report en 1970, entre otras impresionantes colaboraciones) nos devuelve a Weather Report en un disco del año 2016 y que va como uno de los regalitos de fin de año que les preparamos desde el blog cabezón. Weather Report, la gran banda de jazz fusión de los años 1970/80, transformó la relación entre la instrumentación de jazz y la electrónica creativa, y su sonido vibrante y audazmente rico y rítmica complejo fueron muy influyentes para todo lo que se hiciera a partir de allí. El bajista checo Miroslav Vitous, miembro fundador, rinde ahora su homenaje al espíritu libre de la banda, seminal, primigéneo. Una revisión al material antiguo con un sexteto flexible (incluidos los bateristas de élite Gerald Cleaver y Nasheet Waits), encendiendo una mezcla de jazz y groove. El conjunto hierve con su verión de este material inolvidable, poniendo mucha prioridad a la improvisación. Otro disco del sello ECM, que donde pone su sello asegura calidad.

Artista: Miroslav Vitous
Álbum: Music of Weather Report
Año: 2016
Género: Jazz rock
Duración: 52:45
Nacionalidad: Checoslovaquia


El bajista Miroslav Vitous regresa a la música del grupo que cofundó en la década de los setenta, y vuelve a evocar y perfeccionar la metodología de alta improvisación que caracterizó al Weather Report original. Pero si en el anterior disco, titulado "Remembering Weather Report", se hizo eco del espíritu del grupo antiguo, en éste se enfoca en su repertorio, con los ecos de Jaco Pastorius siempre presentes.
La banda, impulsada por la asombrosa doble batería de Gerald Cleaver y Nasheet Waits, es enérgica y audaz, yuxtaponiendo ritmos libres e improvisaciones, con el arco de Miroslav tocando como un tercer elemento entre los dos saxos.

No he encontrado videos de esto que les presento ahora, ni espacios en Bandcamp, así que tendrán que volar a ciegas y descubrir si este material es de su interés. Si no les alcanzó con lo que escribí hasta ahora, entren al post que les cuento un poco más.



Feliz Día de los Inocentes

En el mismo día de los inocentes, el Gobierno de Corporación Cambiemos aumentó la deuda por $ 91.250.000.000 que le saca de la Anses. Sumá $ 5.000.000.000 más US $ 750.000.000 según detalla el Boletín Oficial. La reforma previsional fue impulsada por el gobierno bajo el supuesto de que el sistema no es sustentable financieramente, porque "la ANSES no da para más", pero ahora que fue aprobado sacan plata a... la ANSES. En el mismo día de los inocentes. Felicidades jubilado, otra vez lo toman de boludo... digo... de inocente.


Hoy, veintiocho de diciembre, es el día en que en muchos países se celebra el Día de los Santos Inocentes, y me digo ¡Qué mayor inocentada que hacernos creer que la riqueza actual es de unos pocos!.
Y entre tanta inocencia aparecen los amarillos quienes más se ufanan en montar un sistema comunicacional muy marketinero que se empecina en hacerte creer (hasta lo han logrado con una gran parte de la población que lograron hipnotizar sin demasiado esfuerzo) que eres feliz, que te va muy bien y que por delante te depara un futuro excelente si es que vamos por esta misma senda y no cruzamos la línea amarilla.

En el Día de los Inocentes, Sturzenegger nos dice: "Somos un 42% más competitivos desde la salida del cepo". Por otro lado Marcos Peña, afirmó que "se han cumplido los objetivos para este año 2017, en el cual la economía argentina volvió a crecer en forma sustentable y sana" , mientras llegamos al déficit más alto de la historia. El mismo Maquitos Peña dice "hemos consolidado un sendero de baja de la inflación" y el ministro Nicolás Dujovne precisó que "hemos decidido recalibrar nuestras metas de inflación vigente para los años subsiguientes. Lo que hemos hecho es demorar un año la llegada a la meta de inflación del 5%", y explicó que ahora la meta será del 15% en 2018, del 10% en 2019 y del 5% 2020. Recordemos que para el mejor equipo de los últimos 500 años lo más fácil en la economía era bajar la inflación.

Pero no se olviden de que hoy es el Día de los Inocentes y que este, además, es un país de boludos. Felíz Día, Argentinos!


Daniel Giraudo - Diente de Esquimal (2011)

Seguimos trayendo parte de la cultura rockera nacida en las provincias argentinas. En el 2011 Daniel Giraudo publicó "Diente de esquimal", un disco concebido 20 años atrás y distribuído por la revista cordobesa La Central. Daniel aparece en los 70 como cantante, guitarrista y compositor del grupo Martín Maguceno, en el 75 forman parte de "Rock para mis amigos Vol.2", un compilado de rock nacional editado por el sello Talent en donde también participaron Pescado Rabioso, Manal, y otros pioneros del rock argento, fueron parte de las bandas que participaron de las míticas "misas rock" que organizaba el cura Mariani, impulsor de la teología de la liberación, en la Cripta. En los 80 Giraudo vuelve a la carga con Tamboor que fue un grupo refinado pero sin perder la fuerza y esencia rockera. Este disco contiene grabaciones posteriores a Tamboor, ocho fueron grabadas en Córdoba en 1990 y 2 en Granada (España) 5 años más tarde, canciones remasterizadas en Bs. As en el 2011.

Artista: Daniel Giraudo
Álbum: Diente de esquimal
Año: 2011
Género: Rock, Rock progresivo
Duración: 44:04
Nacionalidad: Argentina (Córdoba)


Daniel Giraudo es definitivamente un imprescindible del rock cordobés. Y de Argentina según mi criterio, pero por algún motivo que nunca analicé seriamente, el rock de Córdoba no se ha proyectado a nivel nacional como el de Rosario. Un cordobés radicado en la ciudad ibérica de Málaga.
Retomo aquí una entrada que dejó inconcluso nuestro amigo Luis de Catamarca, cuando desapareció del Staff cabezón, de su participación en el blog, del país, del mundo y de esta existencia. A modo de recuerdo y homenaje trato de terminar una entrada de un disco que no escuché ni tengo, disco del que que no hay videos ni ninguna referencia, así que si algún cabezón lo tiene a mano por favor que avise, le estaremos muy agredecidos de que lo pueda compartir...

Vamos entonces al disco fantasma que el bueno de Luis no nos pudiera compartir...

Martigan - Distant Monsters (2015)


Este disco nos lo había presentado nuestro amigo polaco Marek apenas había salido, y bueno, hoy decidimos presentarlo, un lindo disco de neo-progresivo de una banda alemana de larga trayectoria llamada Matigan, en lo que es la sucesión de un discazo que lanzaron en el 2009, una verdadera obra maestra titulada "Vision" y que ya ha sido presentado en el blog cabezón. "Distant Monsters" es un álbum excepcional lleno de pasajes de teclado orquestal, altas líneas de guitarras, y una base efectiva. El álbum despliega grandes melodías, entregándose fervientemente en la pomposidad sinfónica, pero también dejando espacio para muchos matices, climas y los momentos íntimos, lleno de melodías y muy buena técnica. Un disco bien organizado, muy variado, muy colorido, generando un trabajo elegante, variado accesible y melódico, y por lo tanto, también muy entretenido. Todo lo que puedo decirles a los amantes del neo progresivo y aquellos que aman la música hecha por bandas como Genesis, IQ o Marillion, no se pierdan este álbum.

Artista: Martigan
Álbum: Distant Monsters
Año: 2015
Género: Neo-prog
Duración: 75:00
Nacionalidad: Alemania



Martigan es una banda de neo rock progresivo alemana, quizás en el mismo nivel de Marillion, Arena o IQ. Tienen publicados 5 discos de estudio y 1 en vivo durante sus 20 años de trayectoria musical. Cada trabajo siendo de altísima calidad musical y creativa, como ellos lo definen: "En lugar de elegir buscar algún éxito comercial, los miembros de la banda escogieron escribir y ejecutar la música que se alineara a sus preferencias personales".


Luego de una larga espera, estos veteranos alemanes sacaron un nuevo disco en el 2015, y según parece pusieron mucha energía en no repetirse y buscaron renovarse con algo completamente nuevo. Aquí está el resultado. Las canciones del disco ofrecen impresiones muy diversas, desde una apariencia maravillosamente relajada y melódica de algunos temas a algunas partes instrumentales extendidas que conforman en su totalidad un álbum de alto calibre.



Ten Years After - A Space In Time (1971)

El Mago Alberto está preparando los regalitos de fin de año y empieza con el primero. Esto es como un clásico del rock, pero a diferencia de otros clásicos, esto es injustamente infravalorado y dejado de lado, tanto que muchos nóveles del rock no conocen a Ten Years After y su blues rock con trazas psicodélicas, aunque "A Space In Time" es uno de los trabajos más conocidos de la banda, un imprescindible dentro del género del rock. Como siempre, este grupo es de obligada escucha, el que no lo conozca va a alucinar, seguro.

Artista: Ten Years After
Álbum: A Space In Time
Año: 1971
Género: Psychedelic / Blues Rock
Duración: 37:42
Nacionalidad: Inglaterra



Sensacional grupo que se inició en el blues y que sin perder nunca sus raíces supieron adentrarse con talento en otros estilos como el rock o la psicodelia. Con una producción más limpia que en sus anteriores trabajo, el grupo grabó un álbum que desprende una tónica en general más relajada de lo que en un principio cabe esperar de un disco de los Ten Years After. Alvin Lee está espléndido al igual que el resto de la banda, aunque en esta ocasión son pocas las veces que se atreven a hacer amplias incursiones instrumentales. Aquí les dejo el comentario del Mago que es quien trae este disco...


En el Festival de Woodstock hubieron tres grandes revelaciones; Santana, Ten Years After y Joe Cocker, y si luego de más de 48 años alguien mencionara dicho festival inmediatamente surgirían estos nombres, Alvin Lee lider de TYA en un set agitadísimo brillaba con su veloz digitación, un estilo vocal admirable, y un rock and roll arrollador, en aquel inolvidable festival. Luego de un par de años de aquella explosión nuclear de la música, Ten Years After edita A Space in Time, un disco con un sonido muy limpio, con muchas guitarras acústicas y hasta una sección de cuerdas, un combo que hace de este disco uno de los mejores de la banda.
Una obra que no tiene despercidio, desde el primer track te atrapa y no te deja hasta el final, el típico disco "diferente" dentro de una banda, canciones elaboradas, muy prolijas, con I`d Love to Change the World un single que cosechó muchísimos aplausos en aquellos años, con un mensaje clarísimo en contra del capitalismo, la guerra y el enorme vacío que provocaba la eterna división entre ricos y pobres, cualquier parecido con la realidad actual no es coincidencia, y un rock tradicional que te eriza los pelos, como Baby Won´t you let me... son dos grandes referencias de este estupendo disco.
Alvin Lee fue uno de los mas grandes violeros de la historia de la música y este disco es un digno homenaje de su paso por este mundo, TYA no fue una banda progresiva pero su música siempre deambuló por los pasillos del buen gusto, y que si bien siempre fue catalogada como una banda de blues-rock, podríamos definirla quizas como blues-rock-prog. porque siempre coquetearon con la cosa más elaborada y experimental.
Un disco que marcó un antes y un despues en la trayectoria de TYA, así que si la comunidad cabezona quiere sacarse la modorra de fin de año, este es un disco ideal, denle sin miedo.
Mago Alberto




miércoles, 27 de diciembre de 2017

The Astral Platypus - Temporada 1: Capítulo 1 - 2 - 3 (Orígenes - Supernova is God - La Marcha del Ornitorrinco Astral)

The Astral Platypus: el documental independiente parodia al rock progresivo, que tiene toda la data bien clara y concisa. Aquíl la serie de tres capítulos de la historia de estos Porcupine Tree argentos, delirio creado por la Resistencia Progresiva Argentina. A continuación, toda la historia completa de este delirio que saca disco y toca en vivo...

Temas:
Lado A
01. Algo Más
02. Disociación
03. Hippopotamus
04. Soulfire
05. Un Color mas Oscuro que el Negro
Lado B:
06. 4.20
07. Nada es Suficiente
08. Hermosa
09. Hasta el Final
10. Algo Más
11. Tü

Miembros:
Anderson Anderson / Lead and backing vocals, flute.
Supernova / Guitars, lead and backing vocals
Wendell Keyes / Hammond Organ, Piano, Mellotron
Robert Lynch / Bass, lead and backing vocals
William Clarke / Drums and percussion.




The Savage Rose - The Savage Rose (1968)

Fue una sorpresa que luego de publicar nuestro comentario del último disco de los dinamarqueses The Savage Rose, nuestro amigo Carlos Mora me escribiera para agradecerme porque ese es uno de sus grupos favoritos y se reencontraba nuevamente con la arrolladora voz de Annisette, esa maravillosa bruja de los bosques psicodélicos, con su voz potente, super expresiva y sensual. Así que para continuar con el agradecimiento el bueno de Carlos nos presenta el primer disco de The Savage Rose, fechado en el 68 y completamente inconseguible. Obviamente yo no voy a reseñar el disco porque recién lo estoy escuchando, pero para ello está el mismo Carlos que no shace su propia reseña del disco que nos trae a colación ahora. Aquí, otra de las joyitas que nos permitimos traer al blog cabezón para sorpresa de tanto amante de la buena música.

Artista: The Savage Rose
Álbum: The Savage Rose
Año: 1968
Género: Rock psicodélico
Nacionalidad: Dinamarca


Once temitas compuestos por los hermanos Koppel y donde la bruja del bosque brilla con la infinita belleza de su voz. Curioso es que al blog cabezón cayeron, casi por arte de magia, el primer y el último disco de esta espectacular banda que aterrizó en nuestro espacio sin que lo hayamos planificado ni pensado (hace pocos días yo no conocía a esta banda). Así que fue como si la misma energía de la bruja quisiera estar en el bosque del blog cabezón, ya a esta altura todo un laberinto de buena música para el disfrute de todo cabezón que habite en sus suelos...




Yo estoy escuchando por primera vez el disco, y lo único que puedo adelantarles es que me encanta, pero el comentario aquí es del mismo Carlos que nos cuenta un poquito su propia historia con esta banda y con la bruja.
Pues como diría Pedro Navajas, sorpresas que te da la vida, se publico aquí en Cabeza el disco de Savage Rose "homless", primero pensé curioso pues se parece al nombre de un disco que conseguí hace unos 17 años, todavía no había tanta oferta de música en la Internet, y aun no es fácil encontrar discos de esta banda tan particular y para mí tan llamativa, es como la comida agridulce, pongan atención en la primera pieza "Your Sign / My Sign" la voz de Annisette es tan cristalina y tierna que parece canción de niños, pero... conforme va avanzando la canción y el disco, la pequeña niña tierna se va transformando en la bruja sensual y maravillosa del bosque escandinavo, haciendo su pócima de psilocybe bongui, el sonido de la banda, psicodelia pura, esta el clásico órgano, la guitarra distorsionada, el característico sonido hippie, están todos los elementos y se puede apreciar que se habían escuchado a los ahora clásicos, pero en esa época no era fácil escuchar a las bandas californianas en la fría Dinamarca, y avanza el disco y el misterio para llegar a "Her Story" que hace que se te erizen los vellos del cuerpo, y regresa a la ternura con "Sleep", en este su segundo disco Annisette tenia 20 años y los hermanos Koppel por ahí andaban, no te puedes perder este ejemplo de psicodelia dinamarquesa, y la sorpresa es encontrarse con un disco de 2017 con una maravillosa bruja a los 70 años con el mismo poder y la magia de aquellos años, volverse a encontrar con la rosa salvaje de los bosques escandinavos es todo un viaje.
Carlos M.



Ulises Conti - Los Acantilados (2012)


Cuando la experimentación pasa por su contenido y también por sensibilidad. Ulises Conti es un compositor y multi-instrumentista reconocido como artista interdisciplinario, creando sonidos que atraviesan el cine, la danza, las artes plásticas y el teatro, entre otras cosas.se define como "artista sonoro". Hace poco lanzó su disco "Los Acantilados", donde composiciones instrumentales, con cuerdas y piano transmiten paz y a la vez algo de locura, una colección de 12 canciones instrumentales que combinan post rock y música experimental. Se trata del séptimo disco del artista en nueve años. La música de su anterior disco posibilitó que tocara en varias ciudades de Europa. Él se define como un "artista sonoro" y sostiene que "el mundo es la gran composición musical: cada vez creo más en eso".


Artista: Ulises Conti
Álbum: Los Acantilados
Año: 2012
Género: Experimental / Indie
Duración: 32:02
Nacionalidad: Argentina


Conti es reconocido como artista interdisciplinario, creando sonidos que atraviesan el cine, la danza, las artes plásticas y el teatro, entre otras cosas. "Los Acantilados" fue producido y mezclado por Ezequiel Cutaia en Estudios 57.Además de sus discos, Conti compuso música para espectáculos de danza y teatro. Este disco es el seguidor de "Pósters Privados", un disco de piano hecho en Alemania. Desde Metamúsica, su plataforma de producción, desarrolla diferentes proyectos en los que intenta aportar y resolver instancias relacionadas generalmente a la música en un contexto interdisciplinario: bandas de sonido para films, teatro, danza e instalaciones de audio, con una atípica proyección internacional dentro de los compositores argentinos de su generación. Se presentó con diversos proyectos en Buenos Aires y muchos prestigiosos escenarios del resto del mundo. Su música es editada en diferentes catálogos nacionales e internacionales.

El compositor y artista sonoro Ulises Conti lanzó su séptimo álbum, titulado Los Acantilados. A diferencia de su trabajo anterior, interpretado junto a Lola Arias), en este nuevo disco instrumental el músico retoma la senda de la experimentación, mezclando sonidos clásicos con el post rock y la música de vanguardia, aunque sin alejarse del formato canción. El álbum fue editado por el sello Metamúsica y está disponible en tres formatos: CD, vinilo y digital.
Zona Indie


"Los Acantilados es una imagen que surge como la representación de un paisaje sonoro, es un lugar donde podes encontrar la paz y la contemplación pero también el abismo y la locura"
Ulises Conti




Arachnoïd - Arachnoïd (1979)


Esto es oscuro y bello, esto es siniestro, dramático, lúgubre, angustiante y sofocante, es como una música para una sesión espiritista o para una noche en la casa embrujada. Durante los años 70, Francia fue uno de los campeones del rock progresivo oscuro, teatral y sombrío, desde Magma hasta Art Zoyd y muchos más, lo que resultó en Shub Niggurath y Wapassou durante los años 80. Y así volvemos al progresivo francés, ahora con el que es quizás uno de los mejores trabajos disonantes y experimentales en la línea de King Crimson pero también en la línea de Goblin, Pulsar, Ange y Magma, con todo su dramatismo oscuro, pero con muchos toques de sinfonismo y bastante accesible para los que no se encuentran familiarizados con los pasajes de música más disonantes del estilo "carmesí". Los invito ahora a una deliciosa travesía, mezcla sonora de una armonía oscura y una belleza sinfónica que se acerca al nivel de la obra maestra, donde te sumergirás en un profundo viaje lleno de angustia en los reinos donde deja de existir la razón humana, donde viven tonelada de ambientes dementes y esquizoides como generados por un enloquecido internado en el manicomio. El único álbum de Arachnoïd es definitivamente una pequeña obra maestra, pero ciertamente no es para cualquiera ni para el que le gusten las historias color de rosa. Esto es negro y tétrico por también es asombrosamente hermoso y disfrutable por cualquier alma sensible a la belleza, aún cuando toma formas tan extrañas como la mano arácnida de la tapa del disco.

Artista: Arachnoïd
Álbum: Arachnoïd
Año: 1979
Género: Rock sinfónico
Duración: 66:31
Nacionalidad: Francia


Arachnoïd fue una banda francesa de los años 70, de vida corta cuyo álbum debut marcó otro excelente ejemplo del oscuro rock progresivo francés. El resultado final es, para muchos, uno de los mejores álbumes del progresivo francés, una obra maestra con toneladas de teclados clásicos a través de los 2 tecladistas de la banda, densos climas y oscuras transiciones entre sonidos y música, dando un álbum fantástico y muy recomendable.

Una gema sinfónica oscura. Esta es una de esas joyas olvidadas que los fanáticos del rock progresivo siempre están a la expectativa. Un excelente álbum de rock progresivo sinfónico oscuro. Es una lástima que Arachnoïd solo haya lanzado este único álbum, pero creo que el clima para el rock progresivo de finales del 70 ya no era tan bienvenido y venturoso.
Esta es una de esas gemas olvidadas que los fanáticos del rock progresivo siempre están a la expectativa. Un excelente álbum de rock progresivo sinfónico oscuro. Es una lástima que Arachnoïd solo haya lanzado este único álbum, pero creo que el clima para el rock progresivo de finales del 70 ya no era tan bienvenido y venturoso.
Pero en el blog cabezón no valen esas cuestiones de moda y no dejamos que estas maravillas se pierdan en el olvido.



martes, 26 de diciembre de 2017

El Año del Gatillo Estatal

La represión como política de Estado: balance de un año marcado por la consagración final de la violencia institucional y el delirium tremens de la pedagogía represiva, donde el Estado mata una persona cada 23 horas según la CORREPI, es decir, que hay más de un muerto por día. Desde 1983 a la fecha, el Estado argentino asesinó a 5462 personas mediante las fuerzas represivas estatales. La gestión de Corporación Cambiemos con "Sr. Tijeras" Mauricio Macri a la cabeza es responsable de 725 muertes en tan sólo dos años de gobierno superando a todos sus antecesores y rompiendo todos los récords en la democracia argentina, en un momento donde las prácticas represivas (que persisten en democracia -la desaparición, la persecución, la tortura y la muerte son hechos cotidianos para los barrios más vulnerables) se ven acompañadas de la decisión gubernamental de aumentar la represión y el control social en todo el territorio nacional. El accionar represivo, en una tendencia cada vez más creciente, sigue pisando fuerte en los sectores más vulnerables y las prácticas represivas persisten en un contexto de ajuste cada vez más crudo. Con las muertes de Santiago Maldonado y Rafael Nahuel, Corporación Cambiemos tuvo sus primeros dos muertos en contexto de represión de la protesta social en menos de seis meses.

La Coordinadora contra la Represión Policial e Institucional (CORREPI) presentó el Informe de la Situación Represiva Nacional del 2017 con la actualización del archivo de casos de personas asesinadas por el aparato represivo estatal que lleva adelante la organización desde 1996 para denunciar al Estado, gobierno tras gobierno, de los asesinatos con los que cargan las fuerzas represivas y sus diferentes administradores.
El alarmante aumento en la gestión de Corporación Cambiemos con un total de 725 casos es implacable: 441 en 2016 y 258 en 2017, en un año de aumento latente de la conflictividad social debido a la implementación de políticas neoliberales, la represión cada vez se vuelve más cruda. Es necesario mencionar que en la presentación del informe del 2016 la información recabada de ese año mostraba un número menor de personas que las que se conocen ahora y menor al número estimativo de este 2017, lo que permite suponer tristemente que este año superará al anterior.

5.462 muertes por el aparato represivo del Estado argentino desde 1983 a la fecha, el 44% de ellas a través de la modalidad del fusilamiento por gatillo fácil, mientras que el 40% se trata de personas privadas de su libertad que pueden haber muerto en cárceles o, incluso, patrulleros. En este sentido, el 84% del total de asesinados caminaban por un barrio vulnerable o estaban detenidos, siendo estás las primeras causas de muerte en manos del Estado. A su vez, la selectividad de la represión apunta a la edad además de la clase. El 50% de las muertes estatales se trata de jóvenes menores de 25 años. El 76% son menores de 35 años. Es decir que ser joven y ser pobre es suficiente causa para morir en manos del Estado.
La casi totalidad de las muertes en comisaria corresponde a personas que no estaban detenidas por acusaciones penales, sino arbitrariamente arrestadas por averiguación de antecedentes o faltas y contravenciones. La modalidad de detenciones arbitrarias ha crecido brutalmente, a partir de la orden del gobierno nacional, de la ciudad de Buenos Aires y en todas las provincias. Este accionar que se traduce en más cantidad de personas en comisarías también se puede leer como más torturas y más muerte.

Esta política represiva que se mantuvo en todos los gobiernos constitucionales de 1983 hasta el 2017, se ve acelerada y acompañada junto a tantas otras medidas que defienden el ajuste que la gestión del "Sr. Tijeras" Mauricio Macri lleva en contra de los sectores populares. En el informe se destacan, entre el archivo actualizado, las medidas que en los dos años de Corporación Cambiemos colaboran y endurecen la represión contra los sectores más vulnerables y los organizados que enfrentan las medidas económicas.
"Es imprescindible la unidad para enfrentar las políticas neoliberales", exige María del Carmen Verdú, abogada y referente de CORREPI, al final de la presentación del informe. Como hace dos años, afirma que la unidad es indispensable y urgente frente a un contexto cada vez más duro. La unidad de los movimientos populares que se demostraron en las calles en todo este 2017 debe seguir profundizándose para enfrentar a un Estado que mata, pero también a un gobierno que pretende y avala esa represión.


Sig Ragga - Aquelarre (2013)


Para quien no los conozca, no, no es un proyecto de John McLaughlin ni tienen nada que ver con la Mahavishnu. Desde el reggae mezclan la música clásica, el folclore, el jazz, el blues, bandas sonoras de películas, la música infantil, el rock sinfónico y vaya a saber uno qué más. Dice Wikipedia: "Sig Ragga es una banda argentina de reggae fusión formada en 1997 en la ciudad de Santa Fe. El grupo se caracteriza por utilizar el reggae como base en sus canciones, que toman forma de música progresiva a la vez que se funde con elementos de jazz y en ocasiones son representadas vocalmente a través de un idioma inexistente. Además de esto, sus presentaciones en vivo tienen una gran producción estética". No tendremos el disco, pero no por ellos vamos a dejar de presentárselos a los cabezones de todo el mundo.

Artista: Sig Ragga
Álbum: Aquelarre
Año: 2013
Género: Reggae fusión / Folk rock ecléctico
Duración: 44:50
Nacionalidad: Argentina

"Aquelarre" es su segundo disco de estudio y cuenta con 10 canciones todas de su autoría. Un puñado de canciones que van desde melodías alegres hasta las más profundas, descriptivas y espirituales. Ellos dicen sobre sí mismos: "Sig Ragga siempre fue un invento, una excusa para poder plasmar todo aquello que nos interesa. Se podría decir que somos un grupo de arte, conjugamos diversos lenguajes de distintos campos".
Sig Ragga, la banda oriunda de Santa fe que, desde hace años viene generando una gran aceptación y reconocimeinto desde el público y la crítica que le permiten pocisionarse como uno de los grandes artistas con proyección en todo América, creando música fusion con solida formacion reggae, nacido en la Ciudad de Santa Fé, conjugando elementos del teatro, cine, diseño y las artes plásticas, dialogando desde sus letras en forma recurrente sobre tópicos de la filosofía moderna y el arte como espacio de resistencia. Han participado en numerosos conciertos a nivel nacional, entre ellos tres ediciones del Pepsi Music (2006, 2008 y 2009). Recientemente ha formado parte del evento más importante de Reggae del país vecino Chile, donde ha sido invitada como banda internacional en el Festival "Siempre Vivo Reggae 12º Edición".

El nombre del disco tiene que ver con la naturaleza que tuvo la gestación del mismo. Eran encuentros mágicos para nosotros. La idea de lo fantástico gira como un tópico recurrente en todo el trabajo. El proceso fue muy espontáneo, era como una avalancha de ideas que se conectaban, y sentíamos que ni siquiera lo estábamos haciendo nosotros. Fue parte de la dinámica con la que se hizo, casi como un cadáver exquisito, y por supuesto que tuvo distintos momentos, ya que dejábamos que fluya todo ese caos y luego le dábamos un orden, un sentido.
Sig Ragga

Cuando hablamos de los estilos musicales que en los últimos años crecieron con respecto a su número histórico de público, sin duda tenemos que hablar del reggae, un estilo que de a poco va creciendo ocupando lugares centrales en festivales de rock y hasta llega a tener (en algunas provincias) festivales propios. No recuerdo qué músico fue que dijo que una de las razones de la decadencia del rock nacional es el crecimiento del reggae. En este caso, restringir el sonido de Sig Ragga a un simple reggae es un tanto incorrecto, su pluralidad sonora y concepción integral extiende las barreras del sonido surgido en Jamaica. Las transiciones progresivas y las variaciones en teclado hacen que el término reggae no termine de contemplar el verdadero espectro musical de esta banda. Y convengamos que personalmente el reggae no me atrae para nada, pero bueno, este reggae fusión y con elementos progresivos y sinfónicos es otro cantar.



Ballroomquartet - Soundmanifest (2007)

Dada la cantidad de visitas que ha tenido la entrada de Ballroomquartet desde que lo presentamos formalmente, el folk psicodélico (al que de a poco le van agregando elementos de space rock, post-rock y pop entre otras cosas) de estos belgas se hace presente en el blog cabezón nuevamente con su muralla sónica formada por la sinergia de acordeón, theremin, vocoder, mandolinas, clarinetes y ahora también violínes (parece qque guitarrista aprendió a tocar el violín en el lapso de la grabación de "Surfing Sufi", su anterior álbum del 2004, y éste que presentamos ahora), sintetizadores analógicos e instrumentos exóticos como el indú Bulbul-Tarang. Y la onda es más o menos la misma que su anterior disco, pero potenciado, así que si te gustó "Surfing Sufi", no lo dudes porque esto está para quemar cabezas. Aquí otra muestra en la evolución de la banda que no termina aquí ni mucho menos, esto sigue mientras ellos siguen evolucionando y experimentando cada vez con mayor variedad de sonidos pero siempre en pos de lograr la mayor belleza posible. Yo me saco es sombrero y pido aplausos para estos belgas.

Artista: Ballroomquartet
Álbum: Soundmanifest
Año: 2007
Género: Rock psicodélico / Folk prog
Duración: 55:36
Nacionalidad: Bélgica


Después del atrevido, sofisticado y revolucionario "Surfing Sufi", ahora hay un segundo álbum de BallroomQuartet... pero es tan difícil hablar de él! Hay música de la que no se puede hablar mucho, hay que escucharla porque más allá de una somera descripción, no se pueden transmitir las sensaciones y lo que transmiten.
¿Cómo es que podemos transmitir los tonos, estados de ánimo e intenciones sin escuchar el lenguaje lenguaje de la música? Todos entendemos vagamente el concepto general de la música instrumental, con sus propias reglas, símbolos y transmisión de emociones. Pero, desde Chopin hasta Miles Davis, no podemos traspasarlo a palabras: la poesía de la música instrumental es un idioma que no admite subtítulos ni traducciones. Por eso, les dejo un video mientras trato de escribir un poco sobre este disco, aquí el video (hay más dentro de la entrada) y los tracks que siguen son como esto pero multiplicado...


"Soundmanifest" suena considerablemente más pesado que su predecesor, pero aquellos que escuchan con cuidado pronto captarán las muchas sutilezas acústicas que se tejen en sus arreglos. Las melodías pegadizas aún siguen ahí, pero sus potencioalidades se expanden. A continuación, les dejo mi torpe comentario sobre un disco que de verdad no se tendría que hablr mucho pero se tendría que escuchar muchísimo. Otro gran trabajo recomendado que va a para a la Biblioteca Sonora del blog cabezón.
Ah! Me olvidaba, esto no lo van a encontrar en otro lado...


domingo, 24 de diciembre de 2017

The Savage Rose - Homeless (2017)

Festejando esta navidad les traigo un descubrimiento exquisito con el que me topé justamente ayer y ahora está sonando en mi reproductor. Desde Dinamarca viene esta banda liderada por una tal Annisette que tiene una voz y una interprestación increíble, con interpretaciones y voces absolutamente únicas que harían palidecer a Janis Joplin, con su rock psicodélico mezclado con soul y funk, pero tambièn con una combinación de elementos de jazz, hip-hop, R&B, rock alternativo y World Music en un pop-rock psicodélico único, altamente picante y sensual, mixtura totalmente natural y que sale sin esfuerzo, con alucinantes canciones que ahora se hacen presentes en el blog cabezón como un regalito de Navidad. Así entra The Savage Rose aal blog cabezón... una verdadera gozada sonora para esta navidad!

Artista: The Savage Rose
Álbum: Homeless
Año: 2017
Género: Rock psicodélico
Duración: 42:51
Nacionalidad: Dinamarca


No me va la cosa empalagosa y dulzona en torno a la Navidad. Es un tema de gustos, ni más ni menos válido que el de otros. En un plano más personal, tampoco me convence -aunque sea previsible e inevitable, o tal vez por eso- el marketing (económico, político o lo que sea) que se hace en esta fecha. Una apropiación de los buenos sentimientos para un lado. Puede ser que el principal motivo de mi fastidio sea que no me parece buen marketing. Poco creíble.
Así que como no me va eso de andar diciendo "Felicidades" por todos lados y con cara de ancho de basto, paso por aquí simplemente para hacerlos felices con aquello ue me hizo feliz. Esto es para todo el público cabezón que podrá conocer esta rareza que viene directamente desde Dinamarca y que es toda una gozada....

Escuchando el disco, que es todo un hermoso lamento llevado a su máxima expresión, me quedé pensando como es que los sonidos del llanto hecho canción nos resulten tan bellos y aún con el estado de ánimo bastante depresivo de lo que estamos escuchando, nuestra alma se alegra con la belleza y el arte. Esos sentimientos encontrados que me parecen más genuinos que la alegría vacía de las Fiestas sin alegría es lo que paso a traerles como regalito del blog cabezón...
Y para que lo vayan escuchando, como dice nuestro amigo Lino, como muestra basta un botón, o en este caso un video...



viernes, 22 de diciembre de 2017

Ballroomquartet - Surfing Sufi (2004)

Acordeón, theremin, vocoder, mandolinas, clarinetes, y muchos elementos más para que un excelente grupo belga se acerque a algo que se parece a un R.I.O. psicodélico con muchos elementos técnicos, o... quizás mejor llamarlo un "Folk Contemporáneo", o... ¿Folk progresivo? No sé, pero sea como sea, esta es una excelente música experimental venida directamente desde Bélgica. Y si bien no puedo encontrar el estilo exacto del grupo, en realidad eso no es realmente importante: la música es un cóctel maravilloso de rock psicodélico, progresivo, folk, rock, vanguardia y mucho más. Un trabajo muy difícil de definir pero muy fácil de disfrutar y muy cinemática. Y no tengo tiempo de ponerme a reseñar el disco, pero como regalo de Papá Noel se los quería dejar, algo además muy difícil de conseguir y... ¡Discazo muy recomendable!

Artista: Ballroomquartet
Álbum: Surfing Sufi
Año: 2004
Género: Rock psicodélico / Folk prog
Duración: 60:36
Nacionalidad: Bélgica


Los grupos con sonido más cercano (en mi humilde opinión) son Másfél, Korai Öröm o Samla Mammas Manna y en menos medida el rock espacial de Pink Floyd... pero solamente para dar alguna referencia porque esto es sumamente personal y se relaciona con toda la movida escandinava.
Lo mejor que pueden hacer es escucharlos para saber de qué onda van, porque tratar de explicarlos sería un proceso demasiado complejo y al fin de cuentas no serviría para nada. Como dice el dicho, un video sirve más que un millón de palabras...



Realmente, la combinación bastante inusual de instrumentos e influencias dota a Ballroomquartet de uno de los sonidos más originales que haya escuchado: dulce, áspero, atmosférico, climático, melodioso, étnico, psicodélico, vanguardista, clásico... todo eso junto y armando algo con mucha coherencia.



Baires Prog Fest VII: Premios 7/4 al Rock Progresivo Argentino 2017

El viernes 29/12 se celebrará la segunda edición de los Premios 7/4 al Rock Progresivo Argentino, en el marco del festival Baires Prog Fest VII. Serán entregadas las siguientes categorías: Disco Argentino del Año, Show en vivo del Año y un Premio a la Trayectoria a la histórica banda El Reloj.

Se presentarán en vivo The Astral Platypus, la banda parodia al rock progresivo formada por una selección de músicos de la escena progresiva, Destino 101, Machy Madco y Madcolytes, más una presentación acústica especial de El Reloj.



Los nominados a Disco Argentino del Año, que son votados por los propios músicos de la escena prog argentina, son:

- Black and White (Fernando Refay)
- Synapse (B.I.O.S.)
- Landscapes (Lucio Hortas)
- Bandolirium (Bandolirium)
- El Corazón de las Ballenas (Pasajero Luminoso)
- En el Comienzo del Topos Uranos (Nexus)
- Donde los Pájaros Sienten Temor pt2 (Proyecto Quasar)
- Los Misterios de Eleusis (Nau Aletheia)
- Bio – Machine (Deathened Endzeit)
- Kowloon... Ciudad Amurallada (Helmut Robot)
- Crisis (Overcoming)
- Reflections of Utopia (Claudio Delgift)

La Resistencia Progresiva Argentina es una agrupación de bandas independientes con el fin de promover la escena prog en Buenos Aires formada a principios de 2016. Son los organizadores del festival Baires Prog Fest, del que ya se realizaron seis ediciones (la séptima está planeada para fines de diciembre de 2017), así como también de los festivales Baires Prog Tributos. También destacan por ser los organizadores de los Premios 7/4 al Rock Progresivo Argentino, que en su primer edición entregaron el Premio a la Trayectoria a la histórica banda Bubu.
La cita es el viernes 29/12 en El Oceanario Club Cultural a las 20:30hs. (Remedios Escalada de San Martín 332). Entrada en puerta: $100.

Link del evento: https://www.facebook.com/events/148161992574573/

Fables of Faubus: Mingus contra el racismo de los 50s

"Fable of Faubus" es el título de uno de los temas social y políticamente más combativos de la historia del Jazz. Lo compuso Charles Mingus ante el enésimo caso de racismo en el Sur. La pregunta que incluía sigue siendo pertinente. El tema hace alusión a un hecho ocurrido en 1957 en la escuela de Little Rock Arkansas, donde la guardia nacional sitió el recinto para evitar la entrada de nueve estudiantes afroamericanos.Hace 55 años el contrabajista Charles Mingus grababa uno de sus temas mas políticos "Fables of Faubus". El tema del año 1960, cuya letra fue censurada anteriormente por el sello Candid, se refiere a los hechos racistas provenientes de Orval E. Faubus, gobenador de Arkansas.
Y ya que hemos traído a colación al señor Charles Mingus, me pareció oportuno dejarles esta nota que en realidad resulta tan actual, le cambiàs algunos nombres y queda disponible para que sea una crónica del momento actual: "Cítame a un puñado de tipos ridículos, Dannie Richmond. Faubus, Rockefeller, Eisenhower... ¿Por qué están tan enfermos y son tan ridículos? Dos, cuatro, seis, ocho: ¡Te lavan el cerebro y te enseñan el odio!"


El tema cuenta sobre la orden de Faubus a la guardia nacional, con el objetivo de evitar la llegada de nueve estudiantes afroamericanos a la escuela de Little Rock.
Mingus ha sido reconocido mundialmente no sólo por su experimentación en distintos estilos del jazz como el Bebop o el free jazz, sino por su compromiso político con las luchas del pueblo negro abordadas en sus canciones. Así como "Fables of Faubus", podemos recordar el tema "Haitian Fight Song" que se relaciona a la rebelión y lucha del pueblo Haitiano. También son reconocidas sus colaboraciones con otros músicos que manifestaron una convicción por la lucha contra el racismo y las reivindicaciones del pueblo negro, como Duke Ellington o Max Roach.
El asesinato de Alton Sterling y Philando Castile colocan de manifiesto la brutalidad con la que operan las instituciones represivas norteamericanas, en contra de negros, latinos e inmigrantes, por lo que el trabajo de Mingus como distintos músicos que se han comprometido con la causa del pueblo afroamericano, vuelven a tomar vitalidad.

Letra de "Fables of Faubus" traducida

¡Oh, Señor, no dejes que nos disparen!
¡Oh, Señor, no dejes que nos apuñalen!
¡Oh, Señor, no dejes que nos llenen de alquitrán y plumas!
¡Oh, Señor, no más esvásticas!
¡Oh, Señor, no más Ku Klux Klan!

Cítame a alguién ridículo, Dannie.
¡El gobernador Faubus!
¿Por qué es un tipo enfermo y ridículo?
Se opone a la integración en las escuelas.
¡Entonces es un estúpido! ¡Abajo los nazis facistas que se creen superiores!
¡Abajo el Ku Klux Klan! (con su plan Jim Crow)

Cítame a un puñado de tipos ridículos, Dannie Richmond.
Faubus, Rockefeller, Eisenhower...
¿Por qué están tan enfermos y son tan ridículos?
Dos, cuatro, seis, ocho:
¡Te lavan el cerebro y te enseñan el odio!
Charles Mingus
Edson Elgueta



Charles Mingus - Let my Children Hear Music (1972)

El llamado "bebop", que a mediados del siglo XX reaccionó contra el esquema clásico de las grandes y elefanteásicas bandas no solo con alineaciones más reducidas, sino con rasgos estilísticos vanguardistas, como tempos e improvisaciones muy volados. Era más que música: una actitud hacia la vida que en el caso de Mingus tambièn fue militante antirracista que criticó siempre que pudo la sociedad racista que le tocó vivir, Nuestro amigo Neckwringer vuelve otra vez al blog cabezón y nos trae al gran Mingus. Un disco orquestal, de formas múltiples, en el que conviven diversas tradiciones y estilos musicales. Un álbum ambicioso que el propio Mingus consideraba entre lo mejor que había grabado y que concibió, ya desde el título y unos textos escritos por él mismo, como un trabajo conceptual. Y es, al decir de muchos críticos, uno de los mejores discos que un gran ensamble de jazz haya grabado en toda su historia. Pero sea como sea, "Let My Children Hear Music" (Dejen que mis niños escuchen música) es un impresionante logro y es absolutamente imprescindible para todo amante del jazz y la buena música. Con ustedes, la síntesis de música clásica y jazz de Charles Mingus.

Artista: Charles Mingus
Álbum: Let my Children Hear Music
Año: 1972
Género: Jazz
Nacionalidad: EEUU


Éste no necesariamente sea el mejor álbum de Mingus, pero sin duda es el más épico y ambicioso. La convergencia de muchas de las ideas que distinguieron al genial compositor, contrabajista y pianista a lo largo de su carrera, están aquí agrupadas según las estructuras más cinemáticas de la música clásica. Un estilo verdaderamente vanguardista que es algo raro de oír. Este no es tu álbum de jazz convencional, y segurametne habrá asustado a ortodoxo del jazz. Un disco extraño y fascinante, pero quizás no muy homogéneo, ya que si bien algunas melodías son maravillosas, otras están un poco por debajo de la media de Mingus. No será su mejor álbum, pero contiene algunos de las que son sus mejores temas, y si vamos a hablar sobre la música que hace estallar la mente, es seguramente es uno de los discos que no podemos dejar de nombrar!




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