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lunes, 11 de diciembre de 2017

Beardfish - The Early Years - Outtakes and Demos (2015)

Beardfish fue fundado en la primavera del 2000 por el vocalista-guitarrista-tecladista Rikard Sjöblum y por el guitarrista David Zackrisson, con la intención de interpretar música bien escrita, en el espíritu de bandas como King Crimson y Gentle Giant pero con todo el ya a estas alturas mítico espíritu sueco, pero con vertientes hard rockeras a lo Led Zeppelin y ciertas referencias a Frank Zappa. Lo consiguieron, pero eso es otra historia, porque este disco lo que muestra son los primeros pasos de la banda. La edición especial de "+4626-COMFORTZONE" vino con un segundo disco en el que hay 13 temas nuevos, correspondientes a demos grabadas entre 2002 y 2008. Me pareció conveniente presentarlo en otra entrada porque no tiene nada que ver con el "+4626-COMFORTZONE". Principalmente para los fanáticos de Beardfish (ojo que aunque varios no conozcan a esta banda los hay!): puro rock progresivo característico de Suecia pero con el estilo que Beardfish supo darle a su música.

Artista: Beardfish
Álbum: The Early Years - Outtakes and Demos
Año: 2015
Género: Rock Progresivo / Progresivo Ecléctico
Duración: 77:20
Nacionalidad: Suecia


Luego de su su formación tuvieron que pasar tres alineaciones y alrededor de cien canciones más tarde empezaron a sonar bien. Con la ayuda del bajista Robert Hansen y el baterista Magnus Östgren, empezaron a entregar música que en su primer encuentro tal vez sonaba rara y desordenada, pero tal como un buen vino maduró con el tiempo y trajo como recompensa un bello mundo, devoto por completo al desarrollo de la buena música, de un rock progresivo devoto a la mejor educación escandinava.
Este registro es un rejunte de las mejores de esas 100 canciones iniciales, demos, ensayos, donde podrán disfrutar de todo el potencial de esta genial banda.




Pequeñas Anécdotas Sobre "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones"

Otro genial aporte de uno de los seguidores del blog para toda la comunidad. El cabezón Ignacio se mandó una brutal interpretación de "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones" de Sui Generis, un extenso presente imaginario para un intento de profundizar nuestra comprensión de la obra de Charly. Y cae justo en el blog cabezón, que siempre trata de contextualizar cualquier obra artística en su contexto social, porque de ese modo se entiende mejor y se disfruta mucho más. Y ni hablar de lo que ahora presentamos, donde la evolución musical del conjunto fue acompañada por una poética contestataria, mientras Charly generaba una serie de temas relacionados entre sí por un hilo conductor: la crítica a diversas instituciones de la sociedad, con algunas temáticas que bien podrían extrapolarse a la sociedad actual de hoy en día: "Pequeñas delicias de la vida conyugal" se mofaba de las convenciones impuestas por el convencionalismo social, especialmente matrimonio, "Música de fondo para cualquier fiesta animada"” hacía foco en la corrupción judicial (esa está más actual que nunca!) mientras las metodologías violentas se reflejaban en "Juan Represión" (represión que de un tiempo a esta parte vuelve a ser protagonista de la realidad argentina) y la censura en "Las increíbles aventuras del Señor Tijeras" (que ahora es informativa, con un gobierno que eliminó cualquier voz opositora). Tanto la historia argentina como cada uno de los temas del disco, seguían su derrotero, paralelos, unidos, destinados a vagar juntos hacia el futuro y llegar hasta hoy.

Artista: Sui Generis
Álbum: Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones
Año: 1974
Género: Folk rock / Rock progresivo
Nacionalidad: Argentina


Pequeñas anécdotas sobre las instituciones es el tercer álbum de estudio de Sui Géneris, integrado ahora, además de por Charly García y Nito Mestre, por Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez, convirtiéndose entonces en un cuarteto eléctrico. En las canciones del disco hablan acerca de la espesa situación del momento, como la censura, de la que no fue ajena la banda ya que debieron evitar la edición de dos temas que interpretaban en sus actuaciones en público: “Botas locas” y “Juan Represión”. Pero también las letras se referían a la durísima situación política que ya había y que se agravaría muchísimo más luego del Golpe de Estado de marzo de 1976.
Wikipedia


Sui Generis tenía, por ese entonces (estamos hablando de 1973), el éxito entre sus manos, con su folk rock con mucho gancho y sus temáticas existenciales adolescentes cautivaban a la juventud, pero Charly comenzó a sentirse artísticamente limitado, e influido por las propuestas de vuelo imaginativo y sonoro de Pink Floyd, Yes, Genesis y King Crimson, adquirió un piano eléctrico, un sintetizador analógico, otro de cuerdas, un clavinet y se lanzó a componer temas con una complejidad creciente que hizo que las flamantes creaciones tambiés fuese acompañada de una mayor dedicación por la lírica, y forzaran al dúo a transformarse en cuarteto. El primer incorporado fue Juan Rodríguez, un experimentado baterista cuya versatilidad le había permitido participar en las sesiones de grabación de "Confesiones de invierno". El segundo en sumarse fue Rinaldo Rafanelli. El bajista, quien venía de tocar en Color Humano, conoció al dueto cuando ambos colaboraron con La Pesada del Rock and Roll y el Ensamble Musical de Buenos Aires en una remozada versión de "La Biblia", de Vox Dei. La base conformada por Rafanelli y Rodríguez se amalgamó pronto con la impronta de García y Mestre generando una combinación única: sensibilidad acústica con exactas dosis de potencia rockera y mucho vuelo compositivo y lírico, para dar una impresión de la realidad de la época en un genial relato de la compleja realidad del país, que pronto pasaría a desembocar en las asesinas dictaduras de toda latinoamérica.

"Mi arte está basado en las contradicciones del sistema. En esas cosas que te pueden hacer morir de risa o llorar de amargura."
Charly García - revista Pelo

Mientras los músicos pulían las piezas, Argentina atravesaba un período oscuro. El 1º de julio murió el presidente Perón y se agudizó la lucha interna entre las diversas facciones: en el ala izquierda se enrolaban los Montoneros, quienes pasaron de la mera militancia política al secuestro de empresarios, atentados a sindicalistas ortodoxos y represores, luego el ala derecha llamada Alianza Anticomunista Argentina (o Triple A) liderada por el ministro de Bienestar Social José López Rega, una organización paramilitar cuyo objetivo era eliminar a la "infiltración marxista" ametrallando unidades básicas y ejecutando a militantes y a reconocidas personalidades, y por su parte, el Ejército Revolucionario del Pueblo, brazo armado del Partido Revolucionario de los Trabajadores, que se lanzaba a la guerrilla rural. El país se desangraba y Charly, con lucidez, retrataba la tragedia en una de sus canciones: "El show de los muertos", y tanto la historia argentina como cada uno de los temas del disco, seguían su derrotero, paralelos, unidos, destinados a vagar juntos hacia el futuro y llegar hasta hoy.
En un intento por frenar la escalada de violencia, el Congreso sancionó leyes que fijaba penalidades de tres a ocho años de prisión al que atente contra la paz social, y gobierno de Isabel Martínez subió la apuesta cuando decretó el estado de sitio. Ambas medidas, concebidas para erradicar el accionar guerrillero, desataron una fuerte represión en el campo político, educativo y cultural. El contexto opresivo se coló en las sesiones de grabación de "Instituciones" y alteró significativamente la concepción de la obra. El álbum fue rebautizado como "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones". Según Jorge Alvarez (empresario discográfico y productor del cuarteto) para suavizar el tono crítico del título, mientras que retiró de la edición definitiva dos temas ya grabados y mezclados: "Juan Represión" y "Botas locas": "Esas canciones apuntaban a la policía y al ejército. Publicarlas era mandar preso a Charly. García se enojó conmigo porque creía que lo censuraba. En realidad, le estaba salvando la vida”, rememora Alvarez. “El era un niñato con escasa preparación política, y no comprendía la dimensión de lo que estaba haciendo". A su vez Charly, masticando rabia, reemplazó las piezas excluidas por otras dos: "Tango en segunda" y "El tuerto y los ciegos".
Con ustedes, el lúcido desarrollo de Ignacio sobre esta obra maestra del rock argento.



Beardfish - +4626 - Comfortzone (2015)

Y ya que estamos hablando desde hace varias semanas de los mejores grupos de rock progresivo de la actualidad, no podíamos dejar de mirar a los países nórdicos, y menos nombrar a los Beardfish, una banda que el Conejo había presentado en este espacio hace milenios. Uno de los comentarios que copio dice de ellos: "deberían estar en un top ten de bandas de progresivo en todo el mundo", vanguardistas, innovadores, inventivos, con una paleta que va desde el jazz, pasando por el progresivo setentero y llegando hasta el metal más crudo, creando un rock progresivo formidable, con una amplia gama de Zappa, King Crimson y Gentle Giant, lleno de colores y sensaciones, vivo, cambiante, estos suecos se la apañaron para traer aire fresco a la escena a lo largo de su historia (nacieron en el 2001 y lamentablemente se disolvieron en el 2016). Aquí los recordamos como una banda que nos ha dado muchísimos momentos de felicidad, y lo hacemos con su último disco. Con ustedes, de lo mejor del rock progresivo escandinavo que esta semana llenará las entradas del blog cabezón; con ustedes Beardfish y su último gran disco. Y prepárense a disfrutarlos durante toda la semana! Y para quienes no los conozco les aseguro que les van a dar muchísimos momentos de pura felicidad musical.

Artista: Beardfish
Álbum: +4626 - Comfortzone
Año: 2015
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 65:29
Nacionalidad: Suecia


Un grupo debe ser revisado minuciosamente y tenido muy en cuenta por cualquiera que busque un buen grupo sólido y moderno del mejor rock hecho arte puro. Se ha comentado mucho de sus presentaciones en vivo donde rompían la cabeza del público presente. Dejo, antes que nada, parte de un comentario que me pareció por demás interesante...
El impresionismo llegó a mediados del siglo XIX para romper esquemas, para derrotar ciertos convencionalismos que parecían atenazar a la realidad pictórica de la época. El realismo dominaba el cuadro, obligaba a observar la realidad desde una estética cruda y fría que describía conflictos sociales consecuencia de la explotación subsiguiente a la ya asentada revolución industrial y las primeras disputas a nivel ideológico en un mundo en el que los sistemas monárquicos comenzaban a tambalearse.
La respuesta fue más formal que ideológica, pero no por ello tuvo un impacto menor a tenor de la disciplina a la que hacía referencia. La plasmación casi fotográfica de la realidad, sin ocultar a los miserables y sus miserias, dio paso a trazos que parecían querer distorsionarla pero que solo jugaban con la luz y la sombra, olvidándose del negro omnipresente en el pasado y dotando de vida sin hilaridad a escenas cuya estaticidad parecía resquebrajarse a golpe de pincel que alargaba destellos o que coloreaba penumbras. La revolución había quedado fuera del campo de la ideología para centrarse en el mundo formal, la sombra podía brillar más que la luz, una estrella podía llenar con su halo todo el firmamento.
Beardfish y el rescate de las vanguardias:
2015 parece ser algo así como el regreso al impresionismo para los suecos Beardfish, bastante atenazados en el relato crudo y rudo que constituyó The Void (Inside Out, 2012) pero hoy aferrados de nuevo al color, los juegos de luz y ciertas distorsiones que en lo visual nos remiten a La Noche Estrellada. No es casualidad la referencia pues su interpretación progresiva del Rock Clásico responde a la misma ruptura esquemática que la diseñada por la cohorte de vividores que dominó la pintura a finales del siglo XIX, lo dibujado por Rikard Sjöblom desde su garganta y su teclado rediseña la esencia sin alterar las leyes físicas, simplemente altera tempos o resquebraja estructuras a fin de impactar más desde el detalle que desde lo formal, resultando barroco a veces pero sin que ello suponga un excesivo ensimismamiento.
Aunque éste es un juego al que Beardfish llevan jugando desde que dieron sus primeros pasos, desarrollando un Rock Progresivo colorista plagado de tonalidades que plasman mil sensaciones a lomos de un jazz que es más planteamiento que dogma...
Hipersónica

Y para los que no los conocían ¿Qué mejor que conocer una banda viéndolos tocar en vivo? Aquí tienen a los Beardfish tocando en vivo (mejor dicho rompiéndola en vivo) en el 2011...



Estos chicos son, para mí, la luz actual. Son el grupo que debería estar en un top ten de bandas de progresivo en todo el mundo, pero no goza ni de cerca de esos focos. Una pena. Llevan varios discos siendo de los mejores del género, pero por alguna razón su música no llama tanto la atención. Eso, para mí, no es un problema. A veces, es incluso una bendición. Lo único malo que podría pasar es que se cansaran de no alcanzar ciertos objetivos y lo dejaran. Pero mientras no sea así, es un gustazo saber que pocos oídos en todo este planeta saben apreciar a la quizás banda retro más brillante del universo.
Para mí su esencia setentera es prodigiosa, entre pianos, guitarras sucias y bases alocadas y progresivas. Su voz, insuperable desde el punto de vista del estilo musical que practican. Su inspiración, soberbia, sin límites. Su sensibilidad y su sello especial no tienen igual y, si es de las bandas que te llegan, Beardfish te parecerán 'top'.
Este '+4626-COMFORTZONE' me daba miedo, la verdad. Tal era el nivel alcanzado en 'Mammoth' (2011) y 'The Void' (2012) que me parecía imposible mejorarlo. Y sí, da gusto equivocarse de esta manera. Aún más maduro si cabe, perfecto y cuadrado, este disco lo tiene todo. Sin tener por qué ser identificado como antiguo su sonido, colaría como banda actual, con cosas jazz, cosas metal y sobre todo, mucho progresivo de los orígenes, con una producción impresionante.
Lo primero que llama la atención es su nombre, con un código que no he podido explicar pese a navegar sin parar por Internet, y el título en mayúsculas. Su enigmático aspecto mejora cuando se empieza a oír con la intro doble 'The One Inside Part One' y 'Noise in the Background', temas encadenados, de sonidos casi aterradores y a la vez ambientales, con unos violines parece que sintetizados que hacen las maravillas del oyente. Luego llega 'Hold On', conocido por todos por haber sido el single que llegó hace tiempo, un maravilloso tema de rock progresivo setentero, intenso y preciosista, donde la batería es puramente retro y el resto, más de lo mismo. Todas las bandas de los 1970 encajan aquí, y al mismo tiempo tienen su impronta personal. Extraordinarios 8 minutos completos y de auténtica cátedra musical.
'Comfort Zone', que podría denominarse como el tema que da nombre al disco de algún modo, es un delicado tema muy del estilo de su anterior disco, 'The Void', con pianos y una voz prodigiosa de Rikard Sjöblom que está al nivel de los más grandes, recordándome mucho aquí a la de Greg Lake en los mejores tiempos de ELP. De hecho, el tema es muy Emerson, Lake & Palmer, casi un homenaje perfecto. 10 minutos gloriosos.
'Can You See Me Now?' es otro setentero himno muy delicado, con unos teclados no tan virtuosos pero sí con un encanto retro que hará las maravillas de los amantes de las mejores tiempos del progresivo, su época dorada.
En cambio, 'King' es un tema rock de tempo más rápido y con unas guitarras más modernas, ya más agresivas y de sonido más actual. Tema más discreto con pequeñas referencias a Dream Theater, bajo mi criterio.
Luego llega la segunda parte de la intro, 'The One Inside Part Two', que engancha con 'My Companion Through Life', de nuevo muy teatral, narrativo y de transición, con unas guitarras finales que homenajean a los King Crimson de 'Starless'
'Daughter/Whore' es en cambio otro guiño a cambiar radicalmente de rollo, con un rapídisimo rock casi metalero, muy sucio y de ambientación oscura y dramática, donde las guitarras están al servicio de la expresividad y no de la melodía.
Así nos topamos con el largo tema 'Ode To The Rock'n'Roller', de casi 15 minutos, donde hay, como era de esperar, varios ambientes y estilos. Abre con un rollo guitarrero acompañado de teclados sonido hammond, hasta luego marchar a un himno melódico estilo ELP en su parte central, con teclados muy Keith Emerson. Poco a poco llega la intensidad para rubricar esas esencias del famoso trío que hacía aquellos shows sin fin ("Welcome back my friends to the show that never ends...").
A esta joya le sigue 'If We Must Be Apart (A Love Story Continued)', un melancólico medio tiempo donde la agresividad casi amarga de guitarras y teclados nos conducen al drama que quiere expresar musicalmente la banda con este temazo. Más de 7 minutos que combinan delicadeza con amargor y un dramatismo que te atrapa hasta el final. Formidable.
El triste final, porque que acaben los buenos discos es una faena, llega con la tercera parte del título de la intro, 'The One Inside Part Three – Relief', un tema más moderno y actual, casi de rock alternativo, que suena genial y que la intensidad que ofrece en su segunda mitad son increíbles sellos de calidad para un final digno a este espectacular nuevo disco de los Beardfish. Una banda que merece mucho más.
A modo de conclusión, decir que la edición especial viene con un segundo disco en el que hay 13 temas nuevos, correspondientes a demos grabadas entre 2002 y 2008, tituladas 'The Early Years - Outtakes And Demos'. Desconozco su calidad y su contenido, por lo que intentaré enterarme más adelante. Calificación: 8/10 nota 8
Pablo M. Beleña




jueves, 7 de diciembre de 2017

Eskaton - 4 Visions (1979)

Damita y caballero, bienvenidos una vez más a la escuelita del rock:
Cuando les presente el inconmensurable disco de LAURENT THIBAULT "Mais On Ne Peut Pas Rever Tout Les Temps" de 1979, sentencie que uno de sus principales rasgos era un sello distintivo en los punteos del bajo. Y dije además que era un álbum para bajistas y que lo usarán como una gran referencia para ello.
Vámonos entonces ahora a otro nivel, a un nivel celestial, a un nivel Zeuhl para ser precisos, por qué siendo así, invoco al primer disco del grupazaso de la capital Francesa, ESKATON titulado "4 VISIONS", como una referencia a nivel 'Dios' para bajistas y añado desde ahora también a  bateristas. Algunos citan al álbum como la introducción perfecta al planeta celestial de la música Zeuhl más allá de Magma e incluso que cualquier álbum de Magma (después de todo, en este lenguaje creado por Magma, Zeuhl significa 'celestial'), pero para mi este 'Cuatro Visiones' es una referencia exacta, sobria, virtuosa y magistralmente versátil e incesante, de una desbordante sección rítmica aportada por el bajo junto al poderío del aporte percusivo. Que bestialidad manera de tocar el bajo de ese señor llamado André Bernardi y que manera devastadora de seguirle el paso la batería a manos de Gérard Konig. ¡'Maldicion'! que esto haya sido hecho en Francia por que solo hace que adore más y más y más la propuesta Progresiva de ese país! Desde luego que dicho binomio rítmico son casi el sello distintivo del disco, pero el matiz especial de la música de la banda lo aportan su particular registro vocal algo extraño y oscuro de dos mujeres vocalistas, Paule Kleynnaert y Amara Tahir que resultan tan buenas con sus versos repetitivos e igualmente incesantes y cantados en Francés, asi como el distinguible trabajo de Eric Guillaume al piano Fender Rhodes, el sello distintivo del Zeuhl de Magma como el mellotron lo fuera para King Crimson. Al tándem musical se añade un guitarrista, Alain Blésing y dos tecladistas mas, Marc Rozenberg y Gilles Rozenberg para reforzar el núcleo enérgico original del grupo con organo y sintetizadores.
Dado los elementos de las voces y con semejante sección rítmica, se podría incluir a este 4 Visions en la etiqueta del Zeuhl, sin embargo aunque tiene clara influencia de Magma, esta música contrasta de la propuesta mística y celestial de Magma, aquí no tenemos ninguna aura divina ni superior, ni tampoco ningún planeta redentor; en el enfoque de ESKATON se habla de una realidad, se habla del planeta Tierra, comprometidos con el crecimiento espiritual del hombre así como abordar temas que conllevan a su decadencia, su destino, su respuesta a la bomba atómica y los desastres de la guerra, su enfrentamiento a la muerte, o lo inhumano del hombre moderno donde pintan una imagen enojada del hombre diciendo:
"En nuestro mundo urbano de acero, cemento y hormigón, el hombre sueña con un lugar privilegiado, tranquilo, bello y sereno. Para él, encontrarlo, preservarlo o crearlo es una de sus metas. Solo tenemos una certeza: la muerte nos espera desde nuestro nacimiento. El hombre no sabe que debería tener piedad de él y aprender a probar las alegrías de la vida, antes de perderse a si mismo..."
Pero al final, el mensaje escencial de Eskaton es "un llamado a una reunión de mentes" como lo citaron sus miembros.
Dicho esto, 4 Visions es un disco tan contundente y bien logrado que lo coloca como una de las obras maestras de la escena progresiva francesa de los años 70s, uno de los grandes álbunes del Zeuhl y también del Rock Progresivo mundial. Y no sé si esta sea la introducción perfecta al reverendo mundo musical Zeuhl, pero si que es una necesidad escucharlo si quisieran entender del género, digamoslo, de una manera más accesible y recomendado especialmente para aquellos principiantes del género y desde luego para los no tan principiantes.
Este es un grande posteo que incluye los textos traducidos de las canciones en francés que traduje de a poco en poco con sus respectivas introducciones escritas por la banda para entender mejor el concepto del mensaje de la banda que solo vienen incluidas en la reedición del CD además de más datos exquisitos. No encontrarán en ningún sitio un trabajo como el que aquí he elaborado para ustedes.
¡Que lo disfruten mucho, y hasta la próxima sesión de nuestra escuelita del rock!


Artista: Eskaton
Álbum: 4 Visions
Año: 1979
Género: Zeuhl
Duración: 42:20
Nacionalidad: Francia


La historia de ESKATON comenzó en los años setenta. Un puñado de jóvenes, atraídos por la fuerza de grandes grupos como Magma, decidieron contribuir con su música a la escena de rock francesa y se lanzaron al mundo de la música formando 'Eskaton Kommandkestra'. El pequeño grupo, ansioso por encontrar su propia voz, tuvo comienzos difíciles en los suburbios de París, pero su vitalidad gradualmente le trajo seguidores leales. El grupo estaba compuesto por cuatro músicos: Xavier de Raymond (que tocaba el piano Fender), Gerard Konig (la batería), Marc Rozenberg (el bajo) y Alain Blésing (la guitarra). Los cuatro fueron autodidactas.

Marc Rozenberg, quien ya estaba componiendo la mayoría de las piezas, comenzó a escribir letras para esta nueva forma de expresión musical que a su vez requería de nuevas sonoridades. En noviembre de 1974, estos desarrollos dieron lugar a cambios drásticos en la composición del grupo: se añaden dos vocalistas (Paule Kleynnaert y Amara Tahir), un teclado (Eric Guillaume) y un segundo guitarrista (André Bernardi) que llegaron a reforzar el núcleo enérgico original del grupo.

Durante sus conciertos de la época, Eskaton prevé una nueva relación entre musica y público. Ellos pensaron, "una actuación es más que la simple transmisión de un mensaje: es un llamado a una reunión de mentes". Con esta idea se determina que el mensaje de la música y la letra exige una reacción más seria del oyente. Los conciertos de Eskaton a menudo terminaban con discusiones entre los músicos y su público. Pero el grupo estaba unido, lo que hacia que la vida en comunidad y las ganancias se compartieran equitativamente entre sus miembros.

A principios de 1977,  Eskaton tocaba en lugares con entradas agotadas, pero se vio obligado a disolverse por un tiempo cuando algunos miembros se fueron a hacer su servicio nacional. Cuando volvieron al escenario poco más de un año después, se encontraron en la misma linea que Bernard Lavilliers y Maga. Así que en en abril de 1979, hicieron el single MUSIQUE POST ATOMIQUE, ademas de una composición brillante de dos números, "Le Chant de la Terre" y "If" que resulto en un álbum excepcional: ARDEUR. A pesar de la experiencia musical y el nuevo sonido de Eskaton en la escena musical francesa, la mala calidad de la grabación en 4 pistas queda eclipsada.

Los esfuerzos de Eskaton fueron recompensados ​​en la sesión de grabación del álbum 4 VISIONS en el estudio Adam. Este primer intento de álbum fue lanzado más tarde solo en cassette en Estados Unidos por Eurock debido a una falta de impulso para la banda. El grupo estaba compuesto por ocho músicos: Amara Tahir y Paule Kleynnaert (voz), Alain Blésing (guitarra), André Bernardi (bajo), Gilles Rozenberg (teclados), Eric Guillaume y Marc Rozenberg (Piano Fender y sintetizadores) y Gérard Konig (batería) .

El logro de las 4 VISIONES fue prueba suficiente de que el grupo había alcanzado la madurez y había encontrado su propia voz. El uso dominante del bajo y el ritmo, y las voces de Amara y Paule pueden ser una reminiscencia de la música Zeuhl, pero el espíritu de Eskaton e completamente diferente: Eskaton rechaza el elitismo, tocan la música de la gente para la gente. No hay historias esotéricas ni celestiales, su lenguaje es el del hombre común con su poesía inherente, con su compromiso absoluto y sus letras evocadoras e incluso provocadoras, estos músicos pintan una imagen enojada en sus liricas como en su frase 'el hombre en su ciudad de concreto' en "Ecoute" sobre su destino en "Eskaton", en su respuesta a la bomba nuclear en "Attente" y en su enfrentamiento a la Muerte en el tema "Pitié".

Mientras tanto, Eskaton continuó actuando en los alrededores de París, especialmente en el Marly LeRoy en Orsay en Saint Cloud o en Orly Sartrouville.
Alain Blésing y Eric Guillaume dejaron la banda en esta etapa, pero esto solo sirvió para resaltar los muchos talentos que tienen André, Gilles y Marc, que se mueven de un instrumento a otro entre canción y canción (guitarra, bajo y teclados)

La paciencia de sus fanáticos franceses fue recompensada con el lanzamiento de ARDEUR en LP en 1980. A pesar de la partida de dos músicos, el disco estuvo a la altura de las expectativas. Dos piezas eran versiones nuevas de "Eskaton" y "Attente";  "Couvert De Gloire" tomó prestada la música del tema "If" y el talentoso violinista de Malicorne, Patrick Lemercier, apareció como estrella invitada. Satisfecho con su éxito, el grupo decidió por fin en 1981 lanzar el tan esperado disco 4 VISIONS, pero este solo se distribuyó en los Estados Unidos.

En 1983, el grupo adquirió su propio equipo de grabación y produjo su segundo LP: FICTION. Marc se unió como cantante y en 1984, Gilles Rozenberg dejó el grupo y Paule se hizo cargo de los teclados junto con su canto. En 1985, se grabó el último álbum, llamado I CARE, sin embargo, este aún no se ha editado hasta la fecha.



Letras traducidas y otras notas interesantes escritas por la banda:

ESKATON.
"El nombre de ESKATON proviene de una leyenda germánica muy antigua llamada 'Seton'. En esta leyenda, los dioses crean temporalmente humanos y así mismo, los destruyen de forma cíclica de acuerdo a su voluntad siempre como un tipo de juego. Pero según la leyenda, llego un momento en que los hombres, siendo manipulados, declararon la guerra a los dioses para asi ganar autonomía. Y así, desde este momento, a esta guerra cósmica se le dio el nombre de Eskaton"

ESKATON:
Hombre. ¡Vives tu último destino!
Hombre. Dorevanant, tu no puedes elegir!
Hombre. Cara a cara contigo mismo
Hombre. ¡Es el ángel que lucha con la bestia!
Hombre. En ti descansaron los dioses!
Hombre. ¡Aquí se desatan contra ti!
Hombre. ¡Vives tu último destino!
Hombre. Tu corazón está desgarrado ¡Eres el ángel y la bestia unidos!
Hombre. ¡Debes elevarte al rango de aquellos que te atacan!
¿Los oyes rugir en tu alma?
Será necesario destruirlos
Todos los dioses ídolos e imágenes sagradas: será necesario destruirlos
¡Tu salvación radica en tu fortaleza, recupera tu destino!
¡Porque de una negación en el corazón no resistirán!
Construye tus pensamientos como un muro largo, fuerte y alto
desde donde podrás abrazar el universo en un solo paso: ¡LEJOS!
ALARMA, ALARMA, ALARMA!
¡La horda se despierta, aquí está eso que invade tu cerebro!
Hombre reprendete a ti mismo. ¡Defiéndete!
Hombre reprendete a ti mismo. ¡Defiéndete!
Hombre reprendete a ti mismo. ¡Defiéndete!
Hombre reprendete a ti mismo. ¡Defiéndete!
¡Debes luchar por tu supervivencia intelectual fisiológica!
¡Tu única salvación está en tu alma!
Tu único secreto está en tu alma,
Tus únicas fortalezas están en tu alma ...
Busca tu conciencia ...
Perdiste mucho tiempo al dejar perpetrar tu extinción,
El cielo e infierno solo existe en ti
¡Tu correo debe estar seguro de sí mismo!
¡BUSCA TU CONCIENCIA! BUSCA TU CONCIENCIA!
¡Esa es la única forma de superarte! ¡EL HOMBRE TE EXCEDE!
La vida nos hace sentirnos cansados ​​de su vida,
El perro nos rompe con mordiscos,
El tiempo nos está persiguiendo,
Mórbido e impecable, esperará por nosotros
Y sin cesar, sin respiro, en nuestras cabezas suena el deseo de no pensar más
¡Debemos, cada día, proporcionar más energía!
¡Tomando las riendas de nuestra corteza, nuestra voluntad debe vencer!
Incluso si solo es una frágil ilusión
nosotros seremos los motores!
Incluso si solo es una frágil ilusión
¡seremos los ganadores!
Sean sus únicos dioses, sus únicos maestros,
¡Sean sus únicos dioses, sus únicos maestros!
Y piensas, y pensarás
Y cantarás, y cantarás
Y cantarás, cantarás ...


ATTENTE (ESPERA)
"En el momento en que compusimos esta pieza, pensamos en el horror en el que la humanidad se hundiría si la energía atómica se usara inhumanamente, como lo previó Hiroshima. Hablamos de eso en todos los conciertos:
La explosión de la primera bomba atómica fue en el desierto de Nuevo Mexico el 16 de Julio de 1945 y esto marco para el hombre la entrada en una nueva era: una era de pesadillas. Ha creado en cada uno de nosotros una sensación de miedo e impulsos hacia nuestro entorno. Nuestra música busca expresar este miedo e impotencia, para comprender mejor y luchar contra ellos"

ESPERA:
Sol!
Fuego, el cielo se ha abierto, sangre, arrojándonos al suelo
Fuego, no queda nada, sangre, comienza el FINAL
Sol, Luz!
¡Fuego y sangre, el cielo se abre sobre la nada!
¡Descubrimos el otro lado de la Nada!
Sol, luz
¡Fuego y sangre, el cielo se abre sobre la nada!
Sol, luz
¡Fuego y sangre, el cielo se abre sobre la nada!
Sol, luz
¡Fuego y sangre, el cielo se abre sobre la nada!
El hombre sale de sus cuevas de concreto,
él tiene el cerebro aturdido en el cuerpo correcto,
Ni siquiera tiene el mérito de vivir, la muerte
es su soporífero
El día se acerca, horrible y distorsionado,
El cielo no quiere, ya no quiere ser azul.
Él muere, ¡él muere!
El hombre muere, incapaz de ser azul,
el hombre muere, incapaz de ser azul,
El mar oscuro se traga su vida sin brusquedad, ni choque ni piedad,
El mar oscuro se traga su vida sin brusquedad, ni choque ni piedad,
Hombre! ¿Por qué? Hombre! ¿Por qué? Hombre! ¿Por qué?
Fuego, el cielo se ha abierto, Sangre, arrojándonos al suelo,
Fuego, no queda nada, Sangre, comienza el FINAL.
La tierra golpea en la parte trasera se detiene y gira demasiado rápido
Son arrojados contra las paredes duras.
La sangre chorrea y cubre la piedra con el color de los idiotas,
Los sobrevivientes sobreviven gritando su NEGACIÓN ...
¡Los moribundos los maldicen por cien generaciones!
Amigo, ten cuidado, mantente alerta,
El clima, siempre quiere estar descansando,
Él es la memoria completa de los vivos.
Sol, calor, ¿qué quieres?
Amigo, ten cuidado, mantente alerta!
Energía y materia
Amigo, ten cuidado, mantente alerta!
El fuego y la tierra son gratis
Amigo, ten cuidado, mantente alerta!
¡Dejando el orgullo muerto!
Amigo, ten cuidado, mantente alerta!
MUERTO! MUERTO! MUERTO!
Demasiado tarde, Demasiado tarde, Demasiado tarde, Demasiado tarde ...


ÉCOUTE (ESCUCHANDO)
"No nos engañemos a nosotros mismos: ¡no es un grito de guerra! Es un llamado a la vigilancia. La manada gregaria siempre ha crecido y el hombre solo sirve para construir ciudades.
Pero vivimos en un momento en que las ciudades se han vuelto inhumanas y ya no a escala humana. ¿Deberíamos aceptar esto?"

ESCUCHANDO:
Cuando, en medio de sus ciudades, de un gigante acero,
Gritando su esfuerzo que proporcionar el monstruoso orgullo,
Desde cemento y grava hasta hormigas si es necesario,
quienes se avientan a sus pies, sin preocuparse por la muerte ...

Cuando finalmente se completa el trabajo, esa ciudad respira,
Te encuentras encarcelado en tu concreto, soñando con fluir
Estas aceras frías donde el policía es rey, para
espacios muy estrictos de anti-guerrilla!
Estas aceras frías donde el policía es rey, para
espacios muy estrictos de anti-guerrilla!

En este momento surge una duda, como una incomodidad que se impone,
En este momento viene la ansiedad, como una incomodidad que se impone ...
Escucha! Si te quejas y te atreves, ¡escucha! Si piensas y escuchas,

De tu vientre se levanta un grito: "¡Escucha!", Y en tu cerebro se hunde la mugre:
Es la guerra, mi libertad no es Libertad,
Es la guerra, mi libertad no es Libertad

¡Ya soy un luchador!
¡Ya soy un luchador!
¡Ya soy un luchador!

Tendremos que luchar, incluso solos, incluso solos.
Tendremos que luchar, incluso solos, incluso solos.

¡Ya soy un luchador!
¡Ya soy un luchador!
¡Ya soy un luchador!

Este mundo no es mío, no reconozco nada, este mundo no es mío
no lo reconoces,

¡Ya soy un luchador!
¡Ya soy un luchador!
¡Ya soy un luchador!

¡GLORIA AL QUE MORIRÁ!
¡GLORIA AL QUE MORIRÁ!

Cuándo ganas algunas migajas de esta vida ya negra,
Viajas por millas ahorrando para ganar algo

Y solo lo suficiente para replicar su fuerza y ​​desesperación,
Ver el día siempre levantarse igual,
siempre peor

Si bien todos los días deberían ser fructíferos, o de esperanza,
Solo están llenos de ese imperfecto y cada alegría es un comienzo falso ...

Cuando por casualidad, como por casualidad, en
la guerra se asienta, como una costra,
Le dicen: "Aquí está el enemigo, es solo un perro, es él".
Luego miras al pobre perro, y si, el
es un perro, su hermano es tuyo,
Luego miras al pobre perro, y si, el
es un perro, su hermano es tuyo

En este momento surge una duda, como una incomodidad que se impone,
En este momento viene la ansiedad, como una incomodidad que se impone:
"Es la guerra, nuestras libertades no son libertad, es la guerra nuestras libertades no funcionan, no es libertad,

Ya somos luchadores!
Ya somos luchadores!
Ya somos luchadores!

Tendremos que luchar, incluso solos, incluso solos,
tendremos que luchar, incluso solos, incluso solos,

Ya somos luchadores!
Ya somos luchadores!
Ya somos luchadores!

Este mundo no es nuestro, no lo hacemos,
no encuentras nada, este mundo no es el nuestro no encontramos nada.

Ya somos luchadores!
Ya somos luchadores!
Ya somos luchadores!
¡GLORIA A QUIEN MORIRÁ!


PITIE (MISERICORDIA)
"En nuestro mundo urbano de acero, cemento y hormigón, el hombre sueña con un lugar privilegiado, tranquilo, bello y sereno. Para él, encontrarlo, preservarlo o crearlo es una de sus metas. Solo tenemos una certeza: la muerte nos espera desde nuestro nacimiento. El hombre no sabe que debería tener piedad de él y aprender a probar las alegrías de la vida, antes de perderse a si mismo..."

MISERICORDIA:
Soñaremos con paisajes durante mucho tiempo
azulado,s pero inaccesibles,
La vida ya es demasiado corta para tener cuidado:
el corazón de piedra ya nos sonríe,
corazón de piedra ya nos sonríe!

El gran chambelán negro y oscuro
nos invitar a la mesa de silencio,
Demasiado pronto y demasiado rápido, demasiado temprano y demasiado rápido
Demasiado pronto y demasiado rápido, demasiado temprano y demasiado rápido
El corazón de piedra que ya tenemos, el
corazón de piedra ya  nos sonríe!

En la mesa larga como el tiempo, donde
has ido y venido, ahora llora hombres muertos

Encendimos todos los cuásares y las novas se disfrazan
Encendimos todos los cuásares y las novas se disfrazan
de su luz de acero frío

Esperando, esperando la vida, esperando, esperando, esperando la vida ...
Esperando, esperando la vida, esperando, esperando, esperando la vida ...


Pero ya la alfombra se esta desplegando ante nosotros, ridícula y triste,
donde están grabados los pasos de la multitud de condenados.

Encendimos todos los cuásares y las novas se disfrazan
Encendimos todos los cuásares y las novas se disfrazan
de su luz de acero frío

Depende de nosotros tirar el petardo en el momento correcto,
El que levanta la tapa del oropel da la posibilidad de ambos lados de ser, ser, ser ...!

Octubre nos salpicará con su luz acariciante ...
¿Es más largo vivir o morir?
Soñaremos con paisajes durante mucho tiempo
azulados, pero inaccesibles,

La vida ya es demasiado corta para tener cuidado:
El corazón de piedra ya nos sonríe,
El corazón de piedra ya nos sonríe!


Lista de Temas:
1. Eskaton 
2. Attente 
3. Écoute 
4. Pitie 

Alineación:
Paule Kleynnaert / vocals, synth
Amara Tahir / vocals
Alain Blésing / guitar 
Gilles Rozenberg / organ, synth
Marc Rozenberg / Fender electric piano, synth
Eric Guillaume / Fender electric piano 
André Bernardi / bass
Gérard Konig / drums, flute 



Spock's Beard - The Oblivion Particle (2015)

Y cerramos la semana cerrando a su vez nuestra saga de Spock's Beard, ahora con su último disco de estudio: "The Oblivion Particle" del año 2015. Se trata del primer disco desde "Brief Nocturnes and Dreamless Sleep" que presentamos esta semana, trabajo del 2013 con Ted Leonard reemplazando a Nick D’Virgilio, y es el numero 12 de la banda. Para los que les gustó la banda, sobretodo en su anterior disco, esto va más o menos en la misma onda, así que está especialmente recomendado para ellos. Listo, cambio y fuera, ahora sí... a disfrutar del finde largo!

Artista: Spock's Beard
Álbum: The Oblivion Particle
Año: 2015
Género: Rock progresivo
Duración: 65:50
Nacionalidad: EEUU


Y con los últimos estertores de esta semana vamos con el último de estudio de los Spock's Beard, por suerte hay gente que lo ha reseñado bien al disco, así que no tengo que presentárselos yo.
Nuevo y excelso ejercicio de estilo el que nos brinda SPOCK´S BEARD. Veinte años en la brecha siendo uno de los referentes de la escena Prog Rock no son moco de pavo y lo celebran con este “The Oblivion Particle”, doceavo disco de estudio y que al igual que el anterior ha sido grabado en The Mouse House con el productor Rich Mouser en los controles, bajo la supervisión del propio Alan Morse y el colaborador habitual de la banda, John Boegehold.
SPOCK´S BEARD son todo un seguro de vida cuando se habla de Prog Rock. El torrente creativo de Alan Morse y el talento de cada uno de los músicos es prácticamente inagotable. Siempre encuentran algo que les inspire para acabar facturando discos variados, con mucho jugo, al alcance de pocas formaciones actuales que quieran darse a este complejo género musical.
En líneas generales tenemos en “The Oblivion Particle” a unos Spock´s Beard en su vena más clásica y puramente progresiva, algo que dejará un tanto arrinconados a los que vieron en “Brief Nocturnes and Dreamless Sleep” a una banda bastante accesible, con muchos ecos al Hard Rock melódico y estribillos coreables, cortesía del Sr Ted Leonard, por supuesto. Pero para este nuevo trabajo Leonard ha tenido que amoldarse más al buen hacer instrumental de sus compañeros y no al contrario como ocurría en el que supuso su debut. Composiciones medidas al dedillo, pura crema progresiva dónde todo fluye con una calma y mimo que puede llegar a exasperar, más o menos como suele pasar con los discos de Neal Morse. Hay temas con alguna parte pegadiza sí, pero es el virtuosismo lo que manda en este trabajo.
Brillante inicio con “Tides Of Time”, que respira esencia clásica por todos sus poros, con una meritoria actuación del bajista Dave Meros en un rollo muy jazzistico. Ryo Okumoto no pierde el tiempo para deleitarnos con todo un arsenal de sonidos salidos de sus teclados, especialmente cuando encara un final rockero muy Purple. Le sigue a esta la divertida “Minion” que parece por momentos un ejercicio de improvisación dónde destacan los múltiples arreglos a cargo de Morse así como una base rítmica impecable en todo momento. “Hell´s Not Enough” es un corte más emotivo, con unas bonitas líneas de teclado y cuidadas acústicas que se electrifican para dejar paso a uno de los mejores momentos de Leonard.
Entre los cortes más destacados de este disco cabe citar un “Bennett Built a Time Machine”, que como bien indica el título va sobre viajes en el tiempo. Musicalmente tiene un rollo como de rock sesentero, a lo Simon and Garfunkel o incluso los Beatles más hippies. El tema está cantado casi en toda su totalidad por el batería Jimmy Keegan y la verdad es que les ha quedado una pieza de lo más curiosa, dónde además Okumoto hace de las suyas de medio corte hacia adelante dejándonos maravillados inmerso en su particular odisea temporal. “Get Out While You Can”, por el contrario, me parece de los menos logrados, muy atmosférico y con unas voces filtradas para dar un toque psicodélico que personalmente creo que no va con la personalidad de la banda y que difícilmente sonará en directo. “A Better Way To Fly” se muestra en sus dos primeros minutos como una extensión del anterior, protagonismo absoluto para los teclados de Okumoto que nos muestra además sus buenas dotes para el piano clásico. Más tarde el tema derivará hacia una travesura progresiva dónde el virtuosismo lo acapara todo de forma genial como no se podía esperar de esta banda. “The Center Line” es otra de las sorpresas, con un inicio que parece trasportarnos a un salón del oeste americano para ir derivando hacia un rollo más space rock, con un Leonard cantando en el registro con el que se encuentra más cómodo; un corte con mucho ritmo y con aires como de western.
Ya finalizando, la banda nos muestra su cara más cinemática. Si hay un corte que respire a banda sonora de película ese es “To Be Free Again”. Libertad es lo que se toman en esta nueva genialidad compositiva, mucho menos artificiosa que otros cortes del disco y sin embargo, a su modo, mucho más compleja. El disco capitula en su edición sencilla con “Disappear”, corte emotivo que cuenta con una de las mejores partes instrumentales del trabajo, que ya es decir, y con la colaboración de David Ragsdale de KANSAS para darle a la cosa mayor caché todavía. La edición especial incluye el tema “Iron Man”, que como es habitual en las presentaciones promocionales de Inside Out no se incluye, por lo que habrá que esperar a que el disco ande colgado por spotify.
Angel Silva



El Lado Oscuro de la Luna

El clima de esta época asusta. Parecen hechos disociados, pero la desaparición del submarino ARA San Juan, el asesinato de Rafael Nahuel y la muerte de Santiago Maldonado comparten un sino fatal: un Estado cooptado por una casta cuyo interés vital es generar un modelo para hacer negocios cueste lo que cueste.
La derecha democrática y moderna avanza a paso redoblado hacia el estado dictatorial con ficción constitucional, nada exótico en la Argentina de los republicanos liberales que gobernaron con proscripcion y partidos declarados fuera de la ley. Fujimorí, el déspota liberal peruano, que logró mezclar corrupción desaforada con autoritarismo al palo, puede ser un modelo para los amarillos. Las detenciones de esta noche, con un pretexto tan burdo como increible son la respuesta al rechazo creciente y derrota previsible en Diputados de las reformas tributarias, previsonal y laboral. La construcción del enemigo terrorista (muchas veces hablamos de la "binladelización") como excusa para los fines más oscuros, avanza poniendo en peligro el sistema democrático.
Detenciones sin juicio, procesamiento ni condena, causas inventadas o sacadas del archivo, jueces elegidos a dedo para tramitarlas, censura en los medios, presos políticos, represión de la protesta social que incluye el fusilamiento por la espalda, agitación del fantasma del terrorismo, "fiscalías especiales" para combatir el "extremismo violento": el gobierno de la nueva derecha democrática repite los grandes hits de todas las dictaduras; y si no funciona aun en condiciones de dictadura abierta es porque no lo necesita, por ejemplo apelando al fraude como en Honduras porque las elecciones ya pasaron y no les fue mal, pero por las dudas para el futuro insisten con imponer el voto electrónico. Los que iban a evitar que nos convirtiéramos en Venezuela nos han transformado en Sierra Leona.
Estas horas me hacen acordar a los días de 1975 y 1976 en los que una parte grande de la sociedad argentina consintió la instauración del estado terrorista: un día Videla, Massera y Agosti se metieron en la Rosada y lo que está pasando en estas horas me trae el perfume de aquella época... porque no será una dictadura, pero cada vez parecen más. Y la suspensión del estado jurídico significa una amenaza para todos nosotros.


El espíritu amarillo desciende al llano para inspirar episodios cotidianos, como golpizas a homosexuales, expresiones racistas y multiplicación de prejuicios. El aval recibido en las urnas, les hizo envalentonar al punto de pisar a los más debiles con la comparsa de los claudicantes. La respuesta es esta Noche de Los Encanadas que continua con el pedido de desafuero de Cristina y otras detenciones a cualquiera que puede oler a opositor.

El régimen tiene un manejo profesional en la acción psicológica que amortigua los efectos de su carácter represivo y hambreador. En eso no difieren de la dictadura. Las diferencias son del grado de desarrollo tecnológico de atontamiento de la opinión pública. Hoy prevalece la fracción loca del régimen: matemos más, verdugiemos a los más débiles, amenacemos a los que todavía conservan el trabajo, censuremos a los medios que nos critiquen. Mandemos 562 en un cohete a la luna (la fración loca la encabeza el jefe de estado).

Para quienes se sientan sorprendidos por el nivel de violencia política que exuda el régimen macrista, sería bueno que reparen en este momento histórico, porque la oligarquía siempre instaló que la violencia armada la origina el Pueblo. Así sucedió en los años 70, así comienza a ser relatada por los nuevos ideólogos del enemigo interno.
Madres de Plaza de Mayo había convocado para este mediodía una nueva edición de la Marcha de la Resistencia en defensa del trabajo en la Argentina. Diferentes organizaciones políticas se plegarán a lo largo de las 24 horas que dura el evento convocados a la defensa del estado de derecho en el país, avasallado de manera intolerable en democracia.



Garybaldi - Storie Di Un'Altra Citta (2016)

Y un día los Garybaldi se volvieron a juntar y sumaron a David Jackson (Van Der Graaf Generator) y una orquesta de rock para dar vida a "Storie Di Un'Altra Citta" en memoria de su ex líder Bambi Fossati, fallecido en el 2014. Esta semana Nataniel nos presentó al "Nuda" de Garybaldi, luego grabaron otro disco y se separaron hasta que el año pasado volvieron a las andadas para crear un gran disco que presentamos ahora en el blog cabezón, dando nuevamente la unión de músicos creativos e inteligentes que las arreglan para equilibrar las duras inclinaciones psicodélicas de Bambi Fossati (y pareciera que el disco está dedicado a su memoria) con la típica cadencia y delicada melodía italiana más una buena técnica, asegurando la calidad del disco, calidad que ya hemos comprobado en "Nuda", un clásico de los primeros spaguetis progresivos. Aquí, los Garybaldi versión 2016!

Artista: Garybaldi
Álbum: Storie Di Un'Altra Citta
Año: 2016
Género: Rock Progresivo Italiano
Duración: 49:26
Nacionalidad: Italia


Recordemos que el grupo finalizó sus actividades a mediados de los años setenta después de una serie de cambios en la alineación, pero surgió en la década de 2000 como muchos otros grupos que se comenzaron a reunir para volver a disfrutar como en épocas pasadas, pero sin embargo, Bambi Fossati se vió obligado a retirarse por una enfermedad grave que finalmente lo llevó a la muerte en 2014; la banda para entonces ya estaba dirigida por el único miembro original de la banda, el baterista y vocalista Maurizio Cassinelli, él junto a al tambièn cantante y tecladista Jon Morra son capaces de hacerse cargo del legado del grupo; donde incluso hay una canción-tributo a su difunto amigo con la canción "Vicino in un momento", la última canción que grabó y cantó Fossati con la banda antes de morir, es el emocionante testamento ideológico en formato musical del gran guitarrista.
Los actuales Garybaldi en su nueva versión, realmente no están interesados en ser innovadores o en expandir las fronteras de la música: en este momento de su carrera, su objetivo principal es proporcionar a los fanáticos una colección de buenas canciones que puedan soportar con dignidad la prueba con su propio pasado. En este sentido, crean un álbum verdaderamente bello y nostálgico que, aunque no es atractivo, atraerá a todos los fanáticos del lado más melódico del progresivo italiano de los 70.



Spock's Beard - The First Twenty Years (2015)

Y vamos ahora con un disco que es una compilación de los mejores temas de esta banda yanky, así que te gusta el sonido de Spock's Beard pero no tenés ninguno de sus álbumes, este es un excelente lugar desde donde comenzar: una colección de sus mejores temas de todas las épocas, con una perfecta elección de los mejores temas de cada álbum, canciones atemporales al que se le suma un nuevo tema épico de 20 minutos, un tema escrito por Neal Morse donde participan todos los miembros de Spock's Beard que están o pasaron por sus filas. Otro lindo disco doble para que se deleiten en este fin de semana largo.

Artista: Spock's Beard
Álbum: The First Twenty Years
Año: 2015
Género: Rock Sinfónico / Rock Progresivo
Duración: 75:37 + 78:34
Nacionalidad: EEUU


Tenemos una semana donde presentamos muchos discos dobles, más el triple en vivo de Transatlantic. Vamos a presentar este disco con el siguiente comentario.

Los gigantes emblemáticos del Prog, Spock's Beard, publican un "Best of" que en realidad es eso y mucho más. Se incluyen 19 de sus mejores temas de toda su mastodóntica carrera, remasterizados para la ocasión además de una nueva pieza épica de 20 minutos de duración, "Falling For Forever", en la que participan todos los miembros de Spock's Beard pasados y presentes y fue escrita por Neal Morse. Esta canción está destinada a causar una onda sísmica a través de todo el paisaje Prog mundial. Es una pasada de tema, 20 minutos que dan para mucho con la banda al completo, dando rienda suelta a su magia musical.
Imagina una pieza épica con Neal Morse cantando el verso, Ted Leonard cantando el estribillo, Nick D'Virgilio tocando y cantando en la sección central. Pues no tienes que imaginarlo, sólo escuchar el CD. Una grata experiencia que nos hacen vivir los Spock's Beard en este gran lanzamiento que incluye dos CDs de audio y un DVD con material de archivo nunca antes visto, rarezas vintage, grabación de escenas de las sesiones de grabación de "The Kindness Of Strangers", incluyendo su legendaria actuación en Progfest '97 en LA. Todas las canciones fueron remasterizadas por Rich Mouser, que ya trabajo con ellos en el más reciente álbum "The Oblivion Particle" que salió en agosto de este 2015.
El bajista Dave Meros dice: “Decidir qué canciones representarían mejor a una banda con más de 20 años, 12 álbumes y tres alineaciones diferentes fue lo suficientemente difícil. A esto se le añade el hecho de que una gran cantidad de nuestras canciones duran entre ocho y 20 minutos, así que el proceso de selección se convirtió en algo muy desalentador". "Finalmente hemos llegado con una lista que creemos que representa bastante bien cada álbum y la era de la banda".
Él añade: “Estábamos inflexibles acerca de no querer simplemente liberar nuestro material anterior en un nuevo paquete. Con esto en mente, a Neal se le ocurrió "Falling For Forever", que compuso específicamente para incluir a todos los miembros actuales y pasados ​​de la banda". "Pedimos hora en el estudio para grabarlo todos juntos y Rich Mouser estaba disponible para mezclarlo, así como re-mezclar todas las canciones anteriores".
Neal Morse dice: "Cuando estábamos dando vueltas la idea de un 'Best Of" de Spock's Beard, surgió la idea de tener algún tipo de una pista adicional. Sentí, como siempre, que sería más excitante hacer algo nuevo, que hacer un refrito de algo que ya habíamos hecho. Entonces, una mañana me inspire y escribí la música que se convertiría en 'Falling for Forever'. Fue muy divertido escribir para la banda incluyendo las voces de Ted y Nick. Definitivamente los tenía a todos ellos en mi mente. Y creo que el resultado final es muy, muy fresco. Al está matador a la guitarra, el bajo de Dave da color, Ryo está haciendo estragos en las teclas, como de costumbre, y ambos Jimmy y Nick tienen solos de batería hacia el final de la canción, Ted canta los coros, Nick canta la sección media, y yo canto los versos. Es verdaderamente un esfuerzo de equipo.
Suponemos lo difícil que habrá sido para la banda seleccionar estos temas dentro de su amplia discografía, pero creo que han acertado con la selección, hace justicia a la calidad de esta banda y a su peso en la escena Prog mundial. Como siempre han escogido una portada elegante que engloba cada uno de los momentos de Spock's Beard. Calidad, virtuosismo y pasión musical que te llevara a través de un "resumido" viaje sonoro por la historia de este grupo.
Juan Raúl



miércoles, 6 de diciembre de 2017

Rush - A Farewell To Kings: 40th Anniversary Deluxe Edition (1977 - 2017)

El Mago Alberto se zarpa de nuevo y nos trae una primicia absoluta. Recién salidito del horno: "Este trabajo fue tomado por las manitas mágicas de Steven Wilson y pasó a ser inmediatamente de colección" dice el Mago y tiene razón. En nuestro afán por destrozarles las neuronas a pura música, ahora vamos con el resurgimiento del legendario "A Farewell To Kings": rock progresivo con tintes de hard rock que fue por demás elegante y que rebosaba una excelencia musical sin igual, genialidad que Geddy, Neil y Alex demostraban en los escenarios. La leyenda de este disco que desde su concepto es una diatriba a la monarquía y cualquier tipo de actitud feudal, se renueva y consolida con esta edición. Una maravilla (otra más) que aparece en el blog cabezón sorprendiéndonos a todos. Imperdible!

Artista: Rush
Álbum: A Farewell To Kings: 40th Anniversary Deluxe Edition
Año: 1977 - 2017
Género: Heavy prog
Nacionalidad: Canadá


Pasamos directamente al comentario del Mago Alberto, y vamos de cabeza a esta edición especial.

El viernes 1 de diciembre se lanzó la edición deluxe en todo el mundo de "A Farewell To Kings" de Rush, trabajo que particularmente considero el mejor álbum de los canadienses, trío que compitió pelo a pelo con toda la movida progresiva del viejo continente, con un estilo particular, diferente, con arreglos más trabajados en dirección siempre hacia la melodía y con exquisitos tips musicales que complementaron el poderoso estilo vocal de Lee. Este trabajo fue tomado por las manitas mágicas de Steven Wilson y pasó a ser inmediatamente de colección, esta edición de lujo cuenta con nuevo arte de tapa.
El box completo incluiye 3 CDs, el disco original con el remaster 2015 realizado en Abbey Road, más un show completo de la época, grabado el 20 de febrero de 1978, y un Blu-Ray con mezclas 5.1 Surround y estéreo realizadas por Steven Wilson, más 3 videos, y 4 LPs de 180 grs. Aparte del material en audio y video, se incluirán varios souvenirs extras, con libros, réplicas de programas de mano, ensayos, merchandising, etc. Habrá una edición separada con los 3 CDs incluídos en este box, aparte de una con los 4 LPs.
Este álbum fue realizado en pleno auge del progresivo y los muchachitos salieron con los tapones de punta y lograron una verdadera masterpiece, estaban crudos, agresivos, con mucha polenta, con ideas muy copadas, sonidos y complejidades muy novedosas, y el resultado es un álbum terriblemente bueno.
El que tenga un buen billete que se atreva a la edición completa, los que no, que se conformen con este posteo, los seguidores y amantes de Rush estarán de parabienes. Acá van a encontrar una versión de "Xanadu" en vivo con una polenta bárbara, y otra version a cargo de Dream Theater no menos espectacular, en especial el despliegue del baterista es descomunal, y otras perlitas que las van a descubrir de a poco. Un disco espectacular que merecía este tratamiento. Cabezonas/es no se resistan a esto.
Mago Alberto

No hay mucho más para agregar... cambio y fuera.



A Jazzearla!!!!

Pete Sinfield - Still (1973)

El Mago Alberto nos trae el único disco de Pete Sinfield, el 'letrista' de Emerson Lake & Palmer, Roxy Music, la Premiata Forneria Marconi y King Crimson (que de hecho fué el primer grupo en incluir al "compositor de las letras" como miembro estable y oficial) entre otros. Un disco donde participan John Wetton, Ian Wallace, Greg Lake, Mel Collins y un montón de músicos invitados. Yo creo que no deberían perderse esta joyita perdida porque además, es muy muy difícil de conseguir! Otro regalito para el fin de semana largo, no se pueden quejar.

Artista: Pete Sinfield
Álbum: Still
Año: 1973
Género: Prog Related
Nacionalidad: Inglaterra


Aquí, la sorpresita de la semana... y lo presenta el propio Mago que es quien trae esta joya.

Único album del que Progarchives describe como el mejor letrista de todos los tiempos y también hace mención a obras de su autoría letrística como "In The Court Of The Crimson King", "21st Century Schizoid Man", "Epitaph", "I talk To The Wind", "Moonchild", "Islands", "Ladies Of The Road", considerado como un integrante mas de King Crimson pero que nunca participó en escena con ellos, también pintó de imagenes y fábulas algunos álbumes de Emerson Lake and Palmer y Premiata Forneria Marconi, o sea un muchacho para nada improvisado pero con una cabeza realmente admirable. Trazando un paralelismo con nuestro rock argento podríamos decir que fue en su época el Spinetta del progresivo.
Esta versión doble y remasterizada es una rareza por cuanto no hay mucha data de su publicación y no tengo idea de donde apareció, pero estoy seguro que muchos cabezones van a saber apreciar, incluye algunos outtakes y versiones distintas del álbum original, así que como advertí en alguna otra publicación guarden que no hay en cantidad, esto es como fruta de estación, así que los colgados que piden links luego de un tiempo están advertidos.
Un álbum que cuenta con varios integrantes de King Crimson, y si se toman el trabajo de googlear las letras se van a encontrar con poemas y líricas zarpadas dignas del señor Pete Sinfield, un músico con mucho estilo, con una cadencia de voz muy particular en su canto.
Still es un álbum que con el tiempo se transformó en una gema del progresivo y del cual muchos tienen referencia pero que pocos tienen acceso así que venimos en el blog cabezón a cubrir esa carencia y por partida doble. Atmósfera crimsoniana a full.
De vez en cuando se abre el arcón y saltan cosas como estas, recomiendo muy encarecidamente The Piper con un trabajo de Mel Collins, exquisito!!!.
Quizás muchos cabezones de aquella época tendrán presente este trabajo y seguro se les va a piantar un lagrimón. Una pieza importantísima de esa maquinaria gigantesca que es el progresivo.
Mago Alberto

Aclaro que se trata de la versión japonesa de dos CDs, y que esto es algo muy difícil de encontrar por cualquier lado.



Transatlantic - Whirld Tour 2010 (2010)

Nos vamos preparando para el fin de semana largo, y como siempre pasa en estos momentos, tratamos de dejarles sendas obras para que tengan con qué quemarse la cabeza en estos días donde por acá pensamos en un descanso y es muy difícil que pasemos por aquí en nuestro merecido descanso. Así que, como nuestro interés mayor, que es hacerles explotar la cabeza con la mejor música que podamos encontrar, y en este caso es un disco triple, en vivo, de uno de los más grandes supergrupos de la actualidad: los bestiales Transatlantic: Roine Stolt (guitarrista de The Flower Kings), Pete Trewavas (bajista de Marillion), Neal Morse (ex cantante de Spock's Beard) y Mike Portnoy (ex baterista de Dream Theater) acompañados de Daniel Gildenlöw (Pain of Salvation) y Steve Hackett (aunque donde aparece el ex Genesis es en el DVD y aquí lo que pasamos a presentar es el triple CD) en uno de los conciertos más sobresalientes de la gira "An Evening With Transatlantic Whirld Tour 2010" que fue el que protagonizaron el 21 de mayo de 2010 en el Shepherd's Bush Empire de London. Para quemarse la cabeza!

Artista: Transatlantic
Álbum: Whirld Tour 2010
Año: 2010
Género: Rock progresivo / rock sinfónico
Duración: 183:24
Nacionalidad: Multinacional

Creo que no hay demasiado para agregar, si hace falta, les dejo este comentario...
Un regalo para los sentidos
Estando en estas fechas tan señaladas, donde el intercambio de regalos está a la orden del día, este doble DVD de Transatlantic debería ser de obligado obsequio para todos los amantes del rock progresivo. Como todo lo que rodea a esta banda, se trata de una entrega cuidada al máximo que te acerca al máximo a lo que es un concierto de estos cinco intérpretes.
Transatlantic. No vamos a descubrir ahora quienes son Transatlantic. Pero aun así es sorprendente la capacidad que tienen de dejarte con la boca abierta continuamente. Da igual que sepas de antemano que un disco o directo suyos van a ser buenos; cuando te enfrentas a ellos, te noquean. En poco más de un año han deleitado a esta redacción con 'The Whirlwind' (2009), con sus conciertos en Madrid y el High Voltage Festival de Londres, y ahora le toca el turno al correspondiente DVD de la gira de presentación del disco.
Correspondiente a su actuación del 21 de mayo en el coqueto Shepherd's Bush Empire Theater de Londres, poco más vamos a encontrar que difiera de lo que pudimos ver quienes tuvimos la suerte de presenciar su directo. Bueno, no. Corrijo. Porque ver a Steve Hackett junto a ellos interpretando el 'Return of the Giant Hogweed' es un regalo que solo unos pocos miles de afortunados pudieron contemplar durante su actuación en el ya citado High Voltage Festival, y aquí nos lo entregan como bonus, junto con un documental y una entrevista a la banda, que por cierto tampoco son las habituales chácharas insulsas, sino que muestran a un grupo que se conoce bien entre sus miembros y, lo más importante, que disfrutan unos junto a otros.
Dividida su actuación en tres sets, y más de tres horas de deleite musical con un grupo pletórico, arrancan con la interpretación íntegra de su último disco. Momentos álgidos: todos. Siento no poder ser más explícito, pero es que desde 'On The Prowl', pasando por la clamorosa ejecución de 'Out Of The Night', o 'Is It Really Happening?', hasta la jam final de 'Dancing With Eternal Glory', no hay desperdicio alguno.
El resto de su repertorio clásico, tampoco anda a la zaga en cuanto a ejecución. Pueden echarse de menos algunos temas igual de buenos que los que aquí se muestran, sobre todo de cara a los fans que ya disponen de sus directos anteriores, pero las versiones y arreglos de esta gira hacen igualmente interesantes a joyas como 'Duel With The Devil' o 'Bridge Across Forever'.
Los aspectos técnicos también están cuidados al máximo, echándose de menos quizá alguna cámara más que aportara planos alternativos (aunque lo reducido del escenario no es que de para mucho más), pero sin reproche alguno en lo relativo a iluminación, montaje y, lo más importante, producción.
Si estuviste en alguno de sus conciertos, hacerte con este DVD es esencial para revivir lo que pudiste contemplar. Si no pudiste gozar de su directo, esta es una ocasión imperdonable para hacerte una idea de lo que Transatlantic son. En cualquiera de los casos, mi recomendación para su compra es absoluta. A elegir en dos formatos: Edición Simple (2 DVD) y Edición Coleccionista (2 DVD + 3 CD). Que lo disfrutéis.
Puntuación: 9/10
Javi Moreno Vega



martes, 5 de diciembre de 2017

Garybaldi - Nuda (1972)

Mezcla de pirotecnia hendrixiana con el progresivo italiano y el bello arte gráfico de Guido Crepax. Nataniel Wolff se suma a la familia cabezona y aquí está su primer entrada, trayéndonos a Garybaldi, otra banda italiana de gran calibre en un disco especial para los amantes de la buena guitarra de rock. Una banda genovesa desplegando un rock progresivo desde un lado no tan convencional en el rock progresivo, y otro aporte de nuestra familia cabezona para gusto de toda la comunidad.

Artista: Garybaldi
Álbum: Nuda
Año: 1972
Género: Rock Progresivo Italiano
Duración: 41:37
Nacionalidad: Italia


Garybaldi surgió en Génova a mediados de los 60, al principio se llamó "Gleemen", luego cambió de nombre en 1971 por algo más italiano y se separó en el 73, luego de sacar dos discos, para reentrarse después, pero esa es otra historia que pronto les pasaré a contar. Aquí, su álbum debut para que todos lo conozcan. Pero mejor los dejo con el comentario de Nataniel que es el que vale, porque el disco lo trae él.

La influencia que Jimi Hendrix tuvo alrededor del planeta es innegable, su psicodelia muy personal dejó un sello que impresionó a músicos de todos los países. Acá en Argentina tenemos al guitarrista Edelmiro Molinari por ejemplo, que asimiló ese estilo y le agregó su toque criollo en su banda Color Humano. En Italia ocurrió algo similar con el grupo GARYBALDI. Pero decir que esta banda solo está influenciada por Jimi sería bastante injusto e inexacto. Porque también podemos encontrar temas que nos recuerdan a bandas progresivas como Genesis, Camel, Focus, Emerson Lake and Palmer o Pink Floyd inclusive. Dentro de la escena progresiva italiana, Garybaldi se suma a otras bandas como Premiata Forneria Marconi, Le Orme y Banco del Mutuo Soccorso, llegando a tocar en vivo con bandas como Santana, Uriah Heep y Van der Graaf Generator dentro de su propio país.
La banda nace a finales de los 60s en la zona de Génova, al norte de Italia. Su miembro fundador es el guitarrista Bambi Fossati quién se asoció con los músicos
Maurizio Cassinelli en batería, Angelo Traverso en el bajo y Lio Marchi en teclados. En un principio se llamaron "Gleeman" nombre con el que editaron algunos singles
y un lp en 1970. Luego adoptaron el nombre definitivo Garybaldi para darle el sello Italiano que buscaban. En 1972 editan su 2do álbum de estudio llamado "Nuda" (Desnuda) bajo el sello Compagnia Generale del Disco. El diseño de portada estuvo a cargo del artista Guido Crepax.
Pero vamos al disco en cuestión. Arranca el tema "Maya Desnuda" a toda máquina con un wah wah salvaje bien al estilo voodoo child o maniac depression. La voz de Bambi
Fossati emula en su propio idioma el estilo Hendrix (palabras estiradas y levemente desafinadas a propósito a veces). Un tema bien manija, vertiginoso y psicodélico
con arreglos que sorprenden gratamente. Sigue "Decomposizione, Preludio e Pace" un pequeño separador abstracto y experimental de 2 minutos que prepara para
el tercer tema titulado "26 Febbraio 1700". Nos encontramos aquí con una deliciosa y dulce balada cósmica que recuerda a Angel, Little Wing o Drifting de Hendrix.
Un viaje en el tiempo con imágenes sonoras muy sugerentes. Al wah wah de la guitarra le podemos agregar otros efectos contemporáneos como el phaser, fuzz y uni-vibe usados por supuesto por el gran maestro Jimi también, junto a la clásica fender stratocaster. Seguimos con "L'Ultima Graziosa" un tema festivo que empieza con un teclado juguetón y medieval (Tony Banks presente) seguido por fraseos Hendrixianos y una explosiva sección ritmica. A esta altura ya podemos percibir la destreza instrumental de los músicos Cassinelli, Traverso y Marchi que acompañan con gran maestría. El tecladista Lio Marchi conoce a la perfección los artilugios del progresivo y mezcla capas sonoras de órgano, mellotron y sintetizador de manera mágica y alquimica. Ya vamos por la mitad del disco y el interés no decae (algo importante en toda buena obra musical). El quinto tema "Moretto Da Brescia" empieza con una intro relajada al estilo Camel para luego dar lugar a una progresión de melodías y arreglos más que interesantes. Un tema que va aumentado in crescendo su potencia hasta terminar a toda máquina como Speed King de Deep Purple por ejemplo. Pasamos luego a "Il Giardino del Re" un tema que empieza tranqui en formato balada cósmica (otra vez) para luego articularse en segmentos cada vez más complejos y finalmente terminar en una vertiginosa cabalgata épica de teclado (enseguida pensamos en Wakeman, Emerson o Tony Banks otra vez). Por último terminamos el disco con "Dolce come sei tu" una balada con aires latinos al estilo Santana pero con ese toque lisérgico que tanto nos gusta y con un solo de guitarra impecable que nos recuerda que ese tal Bambi si sabe tocar posta.
En síntesis se trata de un disco fresco y estimulante, que te va a dejar casi con ganas de aprender italiano.
Se puede acompañar con un rico cigarrito cósmico para equalizar mejor (queda a criterio del melómano). :D
Nataniel Wolff






Olonam Sogal - El Bosque Bajo el Agua (2016)


Sonidos etéreo, atmosféricos, tiempos lentos, ambientes cósmicos, guitarras ensoñadoras, todo ello nos ofrece nuestro amigo Olonam Sogal en "El Bosque Bajo el Agua", su última producción. En principio pido disculpas por demorarme tanto en publicar la reseña de tremendos discos del under que es necesario difundir tanto por su calidad como porque no tienen ningún tipo de apoyo. Un trabajo interesantísimo, muy disfrutable, que combina una amplia capa de influencias sonoras pasando por space rock, el rock psicodélico, algo de post-rock, electrónica, el ambient y lo experimental, logrando con esta amalgama su identidad sonora, con canciones muy melodiosas principalmente inspiradas en una imagen de una naturaleza y un paisaje mágico e inundado, que evoca un viaje emocional donde los diferentes tintes juegan un papel protagónico generando así multiples estados de ánimo. Los invito a conocer el último y muy disfrutable trabajo de Olonam Sogal, una muy buena propuesta que no va a dejar de sorprender a más de uno.

Artista: Olonam Sogal
Álbum: El Bosque Bajo el Agua
Año: 2016
Género: Experimental / Noise / Electrónica / Psicodelia
Duración: 21:37
Nacionalidad: Argentina


Nuevamente, una propuesta de gran calidad salida desde el agitado mundo creativo que vive tan cerca nuestro, ahora con una vertiente psicodélica experimental que combina el noise con la electrónica espacial. Háganme caso, no lo dejen pasar, disfruten de este viajo por terrenos quizás muy explorados pero revisados ahora de manera nueva y muy personal. Los invito a conocer un disco que los hará viajar a un sonido altamente espacial y cósmico, pero sumergido en un lago encantado, donde la temática sirve para experimentar con ritmos y sonidos, además de sumar elementos electrónicos y psicodelia pero con un sonido muy particular que Olonam Sogal les regala, realizando un viaje por terrenos quizás muy explorados pero revisados ahora de manera nueva y muy personal. Un gran músico al que deberemos observar y estar atentos, porque esto tiene un potencial enorme con su música adictiva, que cuando caes en sus redes ya no puedes dejar de escuchar sus melodías.




Spock's Beard - Brief Nocturnes and Dreamless Sleep (2013)

¿Alguien quería algo de rock?. ¿Y del mejor rock?. Pues aquí tienen mucho de ello! Seguimos con el derrotero de Spock's Beard, una de las mejores bandas de rock yankis de la actualidad, y seguimos con su historia compleja, ya que una vez que se habían estabilizado musicalmente luego de la partida de su líder y principal compositor Neal Morse, momento en que el baterista Nick D'Virgilio dejó los platillos y pasó al frente con la voz cual un Phill Collins moderno, resulta que el nuevo vocalista también emprende la marcha pero por motivos más mundanos que en el caso de Neal Morse (quien se había tomado el palo por una búsqueda espiritual mientras se estaba convirtiendo al evangelismo), en el caso de Nick la salida se da por una cuestión pura y exclusivamente de dinero, ya que se ve que ninguna de estas bandas pueden mantener con su actividad a los músicos, y tal como sucede también aquí en Argentina, los músicos se la deben rebuscar para apechugar y conseguir la comida de cada día más allá de la actividad del grupo que no deja el rédito económico suficiente. Pero, lejos de tirar abajo el proyecto de esta banda, ello ha servido para que estos tipos le den una nueva vuelta de tuerca, se reinventen nuevamente, renueven otra vez su sonido y se embarquen en un nueva aventura musical que marcaría nuevos caminos. ¿Cuantas reinvenciones puede tener un grupo sin perder su esencia? Parece que todas las que hagan falta si el grupo es realmente bueno y hay compañerismo musical (estos tipos son principalmente amigos). Y realmente el giro que dan en este disco es muy interesante y crean un tremendo álbum de mucho rock potente, melodioso y complejo al más puro estilo Spock's Beard, pero renovado.

Artista: Spock's Beard
Álbum: Brief Nocturnes and Dreamless Sleep
Año: 2013
Género: Rock progresivo
Duración: 56:02 + 25:52
Nacionalidad: EEUU



Esta versión de Spock's Beard es sutilmente, o mejor dicho no tanto sultilmente, menos sinfónica y más rockera, pero conservando muchos de los elementos que los vieran nacer y hacerse conocidos, pero ya sin nada de esa impronta rock-pop ganchero tipo The Beatles que le diera Steve Morse. Con la incorporación de Ted Leonard (en voz soporte de varios instrumentos y quien reemplazara en Transatlantic a Daniel Gildenlöw en los acompañamientos cuando éste tuvo problemas de salud) quien venía de la disolución de una muy buena banda de metal progresivo llamada Enchant, quien le da una nueva impronta a la ya veterana alma de la banda. Muy recomendable disco con un segundo CD de bonus tracks, excelente rock de calidad para engalanar la Biblioteca Sonora. Y les aviso que la aventura de Spock's Beard aún no ha terminado así que tendremos más de ellos en el blog cabezón.

El de Spock’s Beard es otro de esos casos que dan una idea clara del estado en el que se encuentra la música actualmente: Nick D’Virgilio, que en su día saliera del puesto de batería para suplir a Neal Morse como frontman, decide dejar el grupo para, simple y llanamente, asegurar a su familia un sustento más estable trabajando para el Cirque Du Soleil, ya que como el mismo explicaba, ninguno de los miembros de la banda puede vivir únicamente de la actividad con la misma. Vamos, que a día de hoy o estás en un grupo grande, o intentas compaginarlo con un trabajo estable, cosa bastante complicada sobre todo a la hora de girar. Lejos de arrojar la toalla, Alan Morse, Ryo Okumoto y Dave Meros deciden tirar del carro una vez más, fichar a Ted Leonard (Enchant) como nuevo vocalista y hacer fijo en plantilla a su habitual batería en directo, Jimmy Keegan. Y desde luego no podrían haberlo hecho mejor.
Leonard ha entrado en el grupo no sólo para ser su cantante, sino que le han concedido galones a la hora de componer y el disco se abre con un corte firmado por él, “Hiding out”, en el que tras una dulce introducción de piano el resto del grupo hace acto de presencia dándole Leonard con su voz un gusto melódico diferente pero encajando a la perfección en el sonido de la banda.
Merece la pena destacar la parte del solo, donde Alan Morse juega a intercambiar su guitarra en ambos canales, dando paso a Okumoto y mientras tanto Meros y Keegan despliegan una impecable base rítmica. Curiosa la inclusión del otro tema firmado por Leonard en solitario, “Submerged”, ya que aparecía en su disco en solitario, “Way home”, y aquí sale ganando con unos pequeños nuevos arreglos que le hacen encajar a la perfección en el conjunto de la obra.
Respecto a Jimmy Keegan, su primera presencia en estudio no podría haber salido mejor, demuestra ser un batería con una gran técnica que no va reñida con buen gusto, creativo, inquieto y que también ha dado nuevas energías a la base rítmica que conforma con Dave Meros.
Es un disco muy homogéneo y se puede destacar algo de cada tema, como en “Something very strange”, con su profusión de teclados, arreglos de mellotron, estribillo pegadizo e intercambios entre Morse, Okumoto y alguna incursión de Meros deleitando a los paladares más exigentes.
Pero volviendo al tema de las novedades, no podemos dejar de mencionar la reaparición del hijo pródigo, el que fuera líder del grupo: Neal Morse, quien deja su firma junto a su hermano y Ted Leonard en “Afterthoughts”, seguramente el tema con sonido más Spock’s Beard clásico con las influencias presentes de Yes y Genesis y en el que no faltan los juegos vocales a capella que tan bien dominan y dan personalidad al sonido del combo.
Morse (Neal) también deja su impronta en “Waiting for me”, compuesto a medias con su hermano y que es una de las dos piezas más imprescindibles del disco, doce minutos de puro goce que se abren con una épica parte inicial (que también cerrará el tema) antes de que Dave Meros marque un ritmo al que sigue una melódica, vitalista y brillante parte en la que la acústica, el piano y la voz de Leonard son los triunfadores durante la misma y el estribillo.
Alan Morse deja un emotivo solo, de esos que se nota que salen de dentro, lleno de inspiración y posiblemente el mejor del disco. Un tema que es el cruce perfecto entre el pasado y el presente del grupo, en los que se puede prestar atención a cada uno de sus arreglos de manera individual en cada escucha y paladearlo de diferentes maneras.
Y cuando hablaba de dos piezas imprescindibles, la otra es “A treasure abandoned”, otro corte largo, de ocho minutos, cuyo majestuoso inicio nos trae de nuevo aromas de los grandes clásicos del prog de los setenta desarrollándose con un delicioso gusto melódico en el que vuelve a influir de manera total el Sr.Leonard y su interpretación durante el estribillo.
Creo que este disco supone un nuevo e importante capítulo en la historia de Spock’s Beard y debería convertirse desde ya en uno de sus clásicos de referencia a la hora de hablar de ellos. Bravo por no tirar la toalla y, especialmente, por haber sacado lo mejor de si mismos para ello.
Albytor





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